Em 7 galerias de arte, o fluxo extático da tinta e as histórias que ela pode contar

Na Galeria Mnuchin, uma pintura sem título de Ed Clark, com empastamento de ampliação e pinceladas em pinceladas empilhadas que parecem se contorcer na superfície, escreve Roberta Smith.

Poucas verdades sobre a pintura são mais básicas do que esta: ela tende a ficar molhada, seja na tela, em móveis ou em edifícios, e depois seca. Depois de seco, ele pode preservar uma sensação de sua fluidez original em graus muito variados. Nos anos do pós-guerra, tornou-se um sinal seguro de modernidade e frescor. É dinâmico, às vezes vulcânico, como o gênio artístico deveria ser, mas também pode ter uma qualidade cômica, até mesmo irônica. Ele transmite imediatismo, realidade material, improvisação, bem como extravagância e glamour, savoir faire.

Dar voz plena à liquidez da tinta entrou e saiu de moda desde que foi lançada na década de 1940 pelas pinturas por gotejamento de Jackson Pollock, Janet Sobel e Norman Lewis. Em meados da década de 1950, Helen Frankenthaler abriu novas possibilidades. Trabalhando no chão, ela diluiu a tinta até ficar com a consistência de água, criando inundações e redemoinhos de cor que impregnaram a tela. Suas técnicas estabeleceram a Color Field School nos Estados Unidos. Os artistas japoneses do Gutai levaram a umidade a excessos fabulosos, tornando-a uma substância semelhante à lava. As coisas ficaram irônicas com a série Oxidation de Andy Warhol, realizada pelo artista e outros urinando em telas pintadas com tinta metálica de cobre.

Em algum momento da década de 1970, o Color Field caiu em desuso e a tinta visivelmente líquida tinha um perfil muito inferior. Você poderia dizer que fluiu no subsolo. Mas isso nunca foi embora e, agora, sete exposições nas galerias de Nova York dão ao seu presente e ao seu passado recente uma nova visibilidade.



Até 20 de outubro. Mnuchin Gallery, 45 East 78th Street, Manhattan; 212-861-0020, mnuchingallery.com .

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Crédito...Agaton Strom para The New York Times

A carreira de Ed Clark, agora com 92 anos, é o assunto desta vigorosa pesquisa de carreira de 40 anos, que estabelece sua exploração singular do potencial formal e narrativo da cor e da tinta. O Sr. Clark às vezes mancha, mas principalmente empunha escovas largas e até mesmo vassouras, ampliando o empastamento e a pincelada em pinceladas empilhadas que parecem se contorcer na superfície. Mais características são as bandas largas e as curvas de cor que se aproximam ou saem dos cantos, alcançando uma força quase escultural, como nos fluxos pálidos e propulsores de Elevation (1992), um tumulto de som, água e tinta ao mesmo tempo.

Em Blacklash, de 1964, o Sr. Clark sinaliza raiva racial com seu título e uma mancha de tinta preta que se espalha contra o vermelho e o branco, como um cat-o’-nine-tails. No formalmente veemente Orange Front (1962), um campo laranja manchado é barricado com traços largos de azul e verde azulado; eles cobrem principalmente uma grande forma preta, visível das gotas que se estendem dela até a borda superior da tela.

Até 20 de outubro. Almine Rech Gallery, 39 East 78th Street, segundo andar, Manhattan; 212-804 8496, alminerech.com.

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Crédito...Galeria Matt Kroening / Almine Rech

Quase ao lado de Mnuchin, a Galeria Almine Rech exibe o pintor pouco conhecido do Color Field Vivian Springford (1913-2003), cujo trabalho reapareceu em uma exposição na Galeria Gary Snyder em 1998, vários anos depois que a degeneração macular a forçou a parar de pintar. A maioria das pinturas aqui apresenta combinações concêntricas de cores translúcidas que íntimas flores, nuvens e reflexos de água. Eles se baseiam no potencial das primeiras aquarelas de Georgia O’Keeffe - o que O’Keeffe não fez - mas também evocam o epíteto do crítico de arte Robert Hughes sobre as pinturas do Color Field serem aquarelas gigantes. As obras menores e com cores mais intensas são mais vivas, especialmente uma pintura sem título de 1972 que evoca as conjurações visionárias da natureza de Arthur Dove.

Até 27 de outubro. Yares Art, East 57th Street, Manhattan; 212-256-0969, yaresart.com .

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Crédito...2018 Larry Poons / licenciado pela VAGA na Artists Rights Society (ARS), NY; Agaton Strom para The New York Times

Larry Poons sempre foi um tipo dissidente que confia em seus instintos e nunca se importa com a moda. Ele ficou conhecido pela primeira vez no início dos anos 1960 por pinturas de pontos despojados cuja combinação de cores uniformemente manchadas, pontuadas com pequenos losangos precisos, o alinhavam com Color Field, Minimalism e Op Art de uma só vez. No final da década de 1960, ele já trabalhava pesado, criando topografias grossas e com fendas de tinta derramada em telas horizontais não esticadas logo designadas a série Pele de Elefante.

Em 1971, a tela estava de volta na parede, e o Sr. Poons estava jogando tinta de latas e baldes, sempre mirando alto. Corria pela superfície em grossos riachos tão funkly literais quanto associativos. Palavras como videiras, chuva, cachoeiras e fontes passam pela mente neste show raro e maravilhoso, intitulado Ruffles Queequeg + The Throw Decade 1971-1981. (A referência a Queequeg da fama de Moby Dick é uma obra ondulatória de transição.) Posso imaginar essas peças resistindo aos nenúfares de Monet. Em um ensaio no catálogo, Frank Stella, o pintor e amigo do Sr. Poons, o chama de Sr. Natural, o que parece correto.

Até 13 de outubro. Alexander Gray Associates, 510 West 26th Street, Manhattan; 212-399-2636, alexandergray.com .

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Crédito...2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York / DACS, Londres; Agaton Strom para The New York Times

O pintor nascido na Guiana e educado em Londres, Frank Bowling, agora com 86 anos, imperiosamente leva o famoso grito de guerra de Ezra Pound aos artistas como o título de sua mostra de trabalho recente: Make It New. O que o Sr. Bowling tem feito de novo em grande parte de sua carreira é a pintura Color Field, bagunçando-a com o acréscimo de imagens e referências. Quando ele morava em Nova York na década de 1970, os continentes da África ou da América do Sul às vezes flutuavam por trás de seus campos de cores fluorescentes. (Dicas deles reaparecem em Outro Morrison como em Stuart.)

Em outro lugar, o Sr. Bowling mina o distanciamento imaculado do estilo e a pureza de um tiro ao adicionar pedaços de tecido, linha e outros enfeites. Fazem referência ao ofício e ao ritual, ao tempo, à reconsideração e até à decadência. Mas Bowling recusa a previsibilidade: Drift I e Drift II (2018) são telas formalmente irônicas do tamanho de uma porta impressas com listras brilhantes, cada uma coberta com uma erupção de tinta tão espessa quanto sorvete derretido.

Até 3 de novembro. Cheim & Read, 547 West 25th Street, Manhattan; 212-242-7727, cheimread.com .

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Crédito...Espólio de Joan Mitchell, via Cheim & Read, Nova York

Nunca me apaixonei pelas primeiras pinturas de Joan Mitchell, mas algumas das melhores estão na mais recente exploração de Cheim & Read de sua conquista, amplamente intitulada Pinturas do meio do século passado, 1953-1962. Seu trabalho de escova cortante desafia Pollock. Como Ed Clark, ela gostava de velocidade, mas trabalhava de forma mais intuitiva, mas muitas vezes chegava a uma fragilidade incômoda nos redemoinhos de golpes.

O show acompanha a desaceleração que foi o desenvolvimento de Mitchell. Ainda tem alguns cortes, mas com pincéis mais largos e mais carregados de cor, o que diminui o efeito do liquidificador. Com os azuis, verdes e laranjas do Blue Michigan de 1961, vemos Mitchell atingir a maturidade, iniciando uma fase de 30 anos que durou até sua morte - e durante a qual ela só melhorou.

Até 15 de outubro. Gagosian, 555 West 24th Street, Manhattan; 212-741 1111, gagosian.com .

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Crédito...Agaton Strom para The New York Times

Com I’ve Seen Gray Whales Go By, Mary Weatherford se junta ao pequeno grupo de pintoras que assumiram, com desenvoltura, a grande tenda que é o espaço da franquia Gagosian na West 24th Street. Ela é auxiliada por quatro novas pinturas de quase 3 metros de largura, como a exuberantemente bagunçada Gloria rosa sobre rosa. Mais poder para ela. A Sra. Weatherford pinta há mais de duas décadas, se intrometendo na apropriação, adicionando objetos às suas telas abstratas e se mudando de Nova York para Los Angeles. Lá ela atingiu seu dispositivo: terminar suas pinturas líricas com um ou dois comprimentos de néon que se estendem para cima ou através de suas superfícies, seus cabos drapeados e adaptadores em exibição. Em outras palavras, as pinturas são visivelmente elétricas, fortalecidas, iluminadas por dentro e vivas.

Eles também estão em êxtase, atravessados ​​por feixes de luz, semelhantes ao Êxtase de Santa Teresa de Bernini. A combinação é bela, irônica e rococó, fazendo a ponte entre pintores como Helen Frankenthaler e pós-minimalistas como Bruce Nauman e Keith Sonnier. Uma estranha unidade é alcançada. Você não pode imaginar as telas sem o néon, e a Sra. Weatherford conteve suas pinceladas agressivas para promover essa reciprocidade. É ótimo vê-la em um espaço onde a pintura machista tende a prevalecer, mas anexar comprimentos de néon às pinturas tem suas limitações. Seis anos depois, esse show pode ser o último grito deles.

Até 27 de outubro. Mary Boone, 541 West 24th Street, Manhattan; 212-752-2929, maryboonegallery.com .

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Crédito...Galeria Mary Boone

Como Mary Weatherford, Elizabeth Neel adiciona elementos inesperados às suas abstrações pictóricas: formas geométricas de ponta em preto ou branco, bem como silhuetas de insetos em fricção texturizada. Esses elementos adicionados acentuam a maneira metódica como as pinturas são construídas, por exemplo, com motivos semelhantes ao Rorschach em espelho. As pinturas têm uma nova clareza que as torna os esforços mais impressionantes da Sra. Neel até agora. O título do show - Tangled on a Serpent Chair - sugere um artista na berlinda, que pode, falando criativamente, ser um bom lugar para trabalhar.