Chegando tarde para a festa, mas dançando em todos os clichês
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Slide 1 de 7 /7 A lâmpada dos sem-teto de Iván Navarro, o sugador de suco, uma das 50 obras de Sob o mesmo sol: Arte da América Latina hoje no Museu Guggenheim.
Crédito...Philip Greenberg para o New York Times
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Slide 7 de 7 Nossos grandes museus foram construídos por empresários, e mudanças significativas geralmente são para ganhar dinheiro. Nestes dias de mercados internacionais e um fluxo cosmopolita de turistas, vale a pena para as fortalezas do modernismo ocidental parecerem culturalmente envolventes. Isso ajuda a explicar a UBS MAP Global Art Initiative do Guggenheim, um empreendimento de coleta de três fases que faz com que o museu compre e mostre os tipos de trabalho aos quais deu pouca atenção no passado.
A primeira das três exposições da iniciativa, dedicada à arte do Sul e Sudeste Asiático, ocorreu no ano passado. A terceira, de trabalhos do Oriente Médio e Norte da África, chega em 2015. A mostra do meio, Sob o Mesmo Sol: Arte da América Latina Hoje, está em exibição agora, aninhada em galerias de anexos de formatos estranhos em dois níveis. Com 50 obras, é bastante pequeno - a iniciativa do mapa não pode ser acusada de exagero - mas tem material substancial e começa a preencher uma lacuna criada desde que o museu parou de se interessar pela arte latino-americana na década de 1960.
E onde você entra em uma conversa quando está atrasado para a festa? Quase qualquer lugar serve, embora o curador responsável por esta exposição, Pablo León de la Barra, tenha sabiamente escolhido recuar um pouco na história, até o início dos anos 1970 e uma peça conceitual daquela época do porto-riquenho Rafael Ferrer.
Ferrer, residente em Nova York por décadas e mais conhecido agora como pintor, sempre foi um crítico mordaz das exclusões étnicas do estabelecimento de arte. Em 1971, ele criou um texto que consistia na palavra Artforhum, que é ao mesmo tempo uma brincadeira com o nome de uma revista popular e uma pergunta: Arte para quem? Estampada em uma rampa do Guggenheim, a mesma pergunta desconfiada é tão pertinente agora quanto era naquela época.
Vários artistas latino-americanos abriram caminho para o norte nas décadas de 1970 e 1980, alguns escapando de perigos políticos em casa. Paulo Bruscky, assediado pela ditadura militar no Brasil por suas hábeis e provocantes intervenções na vida cotidiana, continuou sua arte leve aqui. Em Nova York em 1981, e em colaboração com um colega artista, Daniel Santiago, que permaneceu no Brasil, ele colocou um anúncio no The Village Voice propondo uma obra de arte aérea que inundaria de cor as nuvens do céu de Manhattan.
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Um vídeo da obra de Alfredo Jaar.
Alguns anos antes, a exuberante artista argentina Marta Minujín abordou a McDonald’s Corporation sobre o financiamento de um projeto em Nova York: ela queria construir uma maquete reclinada da Estátua da Liberdade e hambúrgueres grelhados nela - usando lança-chamas para aquecimento - em Battery Park. (O McDonald’s disse não, agradecendo.) Em 1987, uma proposta feita ao Fundo de Arte Pública por Alfredo Jaar, do Chile, foi um sucesso. Sua animação eletrônica de 42 segundos, A Logo for America - que ilustra graficamente o fato de que a América se refere a dois continentes, não a um - apareceu, em tamanho outdoor, na Times Square naquele ano e será reproduzida lá em agosto.
Outro chileno, Juan Downey (1940-93), estabeleceu raízes permanentes em Nova York, mas manteve os olhos voltados para o sul. Ao longo de vários anos, ele viajou para o México, Guatemala e Peru para gravar culturas indígenas. Em 1979 viveu sete meses na floresta amazônica com o povo Yanomami da Venezuela, filmando-os e incentivando-os a se filmarem. O trabalho resultante, The Circles of Fire, é uma peça central do show do Guggenheim.
Reproduzindo em vários monitores de vídeo dispostos em círculo, configuração básica das aldeias Yanomami, os vídeos mesclam arte e antropologia de formas extasiantes e distantes. Muito antes que os estudos coloniais pós-modernos analisassem os desequilíbrios de poder entre os observadores culturais e as culturas observadas, Downey estava envolvido em um trabalho que testava a linha entre a ciência e a ficção. Os jovens artistas hoje, de maneiras diferentes, estão seguindo seu exemplo.
Raimond Chaves (de Bogotá) e Gilda Mantilla (de Los Angeles) compilaram um arquivo de culturas exóticas inventadas fazendo desenhos em cópia carbono de documentos encontrados em bibliotecas etnológicas no Peru. Mariana Castillo Deball - nascida no México, residente na Europa - reveste e elabora história em suas esculturas, inspiradas em moldes de arte maia do século 19, hoje perdidos, feitos pelo antropólogo britânico Alfred Maudslay.
Por fim, Jonathas de Andrade, em uma instalação do tamanho de uma sala chamada Cartazes para o Museu do Homem do Nordeste, parodia um museu etnográfico específico dos anos 1970 no Norte do Brasil. O museu organiza uma história racial da região em termos de cepas de DNA puras e valiosas: indígena, africana e europeia. As fotografias de homens contemporâneos da região nos cartazes promocionais do Sr. de Andrade confundem simultaneamente a ideia de identidade étnica fixa e reforçam o masculino como estereótipo.
A própria América Latina há muito é vista, de fora, por meio de clichês, e os artistas são hábeis em derrubá-los. Deserto tropical? Em uma peça chamada Walk, do artista cubano Wilfredo Prieto, a natureza indomada é uma única planta tropical a ser transportada em um carrinho de mão. Éden perfeito para um cartão postal? Em um vídeo em estilo de diário de viagem, Mario García Torres especula por que o venerado pintor paisagista mexicano Gerardo Murillo (1875-1964), que assinou sua obra Dr. Atl, fez a área ao redor de Guadalajara parecer tão romanticamente exuberante. Ele estava, talvez, tentando atrair investidores estrangeiros para a área? (O Guggenheim já considerou construir uma franquia de Guadalajara.)
Exuberante implica fértil, o que pode ser traduzido como primitivo, e a artista brasileira Erika Verzutti embala todas essas associações em esculturas feitas de goiabas e bananas em bronze fundido. Meio figurativo, meio abstrato, seu trabalho é como o modernismo europeu que foi tocado, puxado por caramelo e geralmente bagunçado, como acontece com muitos outros trabalhos aqui.
Vídeo
Trecho de um vídeo de uma performance do artista Iván Navarro e sua escultura de lâmpada fluorescente nas ruas de Chelsea.
Damián Ortega constrói esculturas modulares clássicas e nítidas inteiramente de tortilhas. Carlos Amorales se curva e amplifica Alexander Calder em um móbile percussivo feito de pratos de metal. As dezenas de folhas de plástico colorido geometricamente cortadas em uma instalação de Amalia Pica são ostensivamente um estudo de harmonia modernista. Mas, programados para serem reorganizados e remodelados no decorrer do programa, eles parecem ser tanto aleatórios quanto ordem.
A interrupção da ordem traz implicações políticas e, em quase todos os trabalhos deste programa, há uma pulsação crítica, às vezes forte. O pôster impresso para viagem de Carlos Motta intitulado Breve História das Intervenções dos EUA na América Latina desde 1946 oferece exatamente o que promete e torna uma leitura brutal. Em um vídeo de uma apresentação de 2009 em Havana, Tania Bruguera zomba da censura do governo, convidando as pessoas a subirem em um pódio e, por um minuto, dizerem o que quiserem. Se, no entanto, os alto-falantes excederem o limite de minutos, ela chama dois soldados uniformizados para puxá-los para longe do microfone.
A Sra. Bruguera tem o dom de combinar risco e absurdo. O mesmo acontece com Javier Téllez, em um vídeo intitulado One Flew Over the Void (Bala Perdida). Filmado no lado de Tijuana da fronteira entre o México e os Estados Unidos, o filme captura um carnaval encenado que também é um protesto de imigrantes e culmina com um dublê sendo baleado por um canhão sobre o muro da fronteira.
A maior parte do elenco é formada por pacientes de um hospital psiquiátrico local. Os pais do Sr. Téllez eram psiquiatras; quando criança na Venezuela, ele visitou hospitais com eles. E pessoas com deficiências mentais ou físicas aparecem com frequência em seus filmes. Alguns espectadores têm problemas com isso, e as deficiências muito evidentes colocam você em alerta para exploração. Essa tensão ética pode tornar os vídeos difíceis de assistir, mas também é parte do que os torna eficazes - comoventes e perturbadores - porque não deixará você relaxar.
Unrelaxed é uma descrição precisa do show como um todo, que, embora visualmente discreto, tem muito movimento, real e potencial. Em uma instalação chamada Art History Lesson No. 6, de Luis Camnitzer, 10 projetores de slides automáticos projetam retângulos vazios de luz nas paredes das galerias, como se esperassem que as imagens se materializassem. Uma escultura de Iván Navarro, Lâmpada dos Sem-teto, o Juice Sucker, em forma de carrinho de compras feito de tubo fluorescente branco, gera um brilho ofuscante. Mas era para ser móvel. Quando era novo em 2005, o artista, como um Diógenes sem-teto, empurrou-o pelas ruas de Chelsea, em busca, principalmente em vão, por fontes públicas de energia elétrica.
O mais inquieto de tudo é a definição de arte latino-americana. Seria necessário um show muito maior do que este para começar a avaliar suas permutações. E maior, é claro, é o objetivo. Se o Sr. de la Barra permanecerá após o término da exibição, é incerto; tecnicamente, ele foi contratado apenas para este projeto, mas talvez isso possa mudar.
O que não deve mudar é a energia curatorial, por mais modesta que seja, que foi posta em movimento. Sim, nossos grandes museus estão abraçando um mundo mais amplo tarde, e por razões duvidosas. Mas tarde é melhor do que nunca. E em mãos iluminadas, motivos errados podem ser corrigidos.