A beleza cômica do trabalho de Laura Owens

No Whitney, o catálogo e a pesquisa de meio de carreira desta artista destacam sua arte, vida e época - e um mundo de possibilidades para a pintura.

Um detalhe de uma paisagem marinha sem título na pesquisa de meio de carreira de Laura Owens no Whitney Museum of American Art. Esta pintura de 2009 combina tons escabrosos de roxos e rosas com ondas brancas desajeitadas.Crédito...Vincent Tullo para The New York Times

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Uma nova autoconsciência entrou na pintura no final do século 20, que deu início a um irreverente, às vezes, mas nem sempre amoroso interrogatório do meio. Artistas de várias gerações e muitas listras impulsionaram essa abordagem, vasculhando a história e as convenções da pintura, examinando-a como uma mercadoria e um objeto no espaço, brincando com seus tabus e sua busca por um estilo exclusivo.

Imagem Três das pinturas sem título da Sra. Owens de 2012 incorporam guingão vermelho, pedra-pomes esfarelada e linhas cursivas aumentadas.

Crédito...Vincent Tullo para The New York Times

Uma das exploradoras mais inovadoras dessa vanguarda foi Laura Owens, objeto de uma pesquisa camaleônica de meio de carreira agora em exibição no Whitney Museum da arte americana.

A Sra. Owens adora pintar, mas ela se aproxima disso com uma rara combinação de sinceridade e ironia. Distingue-se por uma beleza astuta e cômica, seu trabalho tem uma leveza de ser lúdica, sábia, quase rococó, em que prazer, humor, inteligência e um sentido sedutor de cores geralmente intensas se misturam livremente. Seu caminho polimorfo com motivos e materiais lembra o rebelde alemão Sigmar Polke; sua intensa propulsão para a frente não é diferente de Frank Stella.

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Sra. Owens não tem medo de rosas pesadas ou pinceladas de babados que jogam o feminino, assim como o feminista, contra a bravura machista típica do médium. Ela também não se intimida com o fascínio do baixo: cartões de felicitações, desenhos animados e ilustrações de livros infantis; bordados, lantejoulas e apliques de feltro; usos elaborados de digitalização e impressão. Seus trabalhos remetem a estilos anteriores; as tensões entre o espaço pictórico e o espaço real; o eterno conflito de abstração e imagem; o ato de olhar, incluindo a visão periférica. Algumas pinturas aqui até fazem camafeus em pinturas vizinhas.

E por toda parte há sombras projetadas, geralmente consideradas pegajosas, que criam deliciosos efeitos trompe l'oeil, fazendo com que qualquer forma ou marca que sombreie flutue para frente. Eles se repetem em muitas das grandes obras que a Sra. Owens começou a fazer em 2013, onde se juntam voltas e rabiscos imensos, faixas de tecido vermelho, papel de parede impresso, texto e bolhas crocantes de tinta.

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A mostra apresenta cerca de 70 pinturas de meados da década de 1990 até o presente, e entre as melhores estão duas paisagens fantasiosas. Um é pálido e sereno, e salpicado de árvores marrons escorregadias e animais e pássaros de contos de fadas; os outros pares púrpura e rosa lúgubres com ondas brancas desajeitadas ondulando ao longo da parte inferior. Ambos exemplificam a beleza cômica da Sra. Owens no seu melhor, em parte porque, como nas telas japonesas, as identidades de terra, nuvens e água permanecem provocantemente em fluxo.

Nasceu em Euclid, Ohio, em 1970, Sra. Owens atingiu a maioridade no início dos anos 1990, quando a atitude de tudo menos pintar prevaleceu em muitas escolas de arte. Ela havia pintado durante seus anos de graduação na Rhode Island School of Design. No California Institute of the Arts, ela se desviou para a arte de instalação, o que a deixou com um senso permanente de pinturas como coisas físicas e de galerias como espaços a serem ativados, como são, de forma excelente, nesta mostra.

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A Sra. Owens acabou se estabelecendo em Los Angeles e, por ter organizado exposições e colaborado com outros artistas, rapidamente se tornou uma força na intensificação da cena artística da cidade. Seu último projeto é 356 Mission , um grande espaço comercial que ela alugou com seu revendedor de Nova York, Gavin Brown, e Wendy Yao, fundadora da livraria independente Ooga Booga, na seção Boyle Heights de Los Angeles, um bairro predominantemente hispânico de classe trabalhadora. Desenhou protestos anti-gentrificação , incluindo um durante a abertura da Sra. Owens no Whitney na semana passada.

A atração da Sra. Owens por estilos de pintura extravagantes é aparente logo depois do elevador. Em um trabalho de 1996 que reproduz a pintura colorida Color Field com algumas voltas, triângulos decrescentes de rosa e melão pintados com manchas criam um abismo profundo no espaço pictórico que está sendo inundado por grandes gotas de azul e branco insípidos e globby. Dentro das gotas estão pequenas cenas da vida do estúdio, incluindo uma representação da Sra. Owens no trabalho, sentada no chão, como se dissesse que, apesar do suor e das lágrimas, haverá diversão. Não é difícil imaginar o original Color Fielders , para quem a abstração e a planura eram sagradas, girando em seus túmulos. Como de costume, a Sra. Owens nos dá muitos dados visuais para trabalhar aqui, mas nenhum título. Estamos sozinhos, o que é generoso e desafiador.

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Em seus primeiros anos, a Sra. Owens gostava especialmente de imagens dentro de imagens e do brilho da tela bruta. Um trabalho de 1995, tão parecido com um desenho animado que você quase espera uma legenda, é principalmente uma extensão grande e inclinada de tela nua - um chão - estendendo-se em direção a uma parede verde distante pontilhada com numerosas pinturas minúsculas. Isso inclui uma versão menor daquela que você está olhando; homenagens a artistas como David Reed; e mini-trabalhos acrescentados por amigos e familiares que passaram pelo estúdio enquanto ela trabalhava na peça. A variedade de estilos anuncia que a pintura é totalmente aberta.

A parte principal da mostra está no quinto andar do museu e se estende por quatro galerias separadas. (Cada um tem o tamanho do espaço original em que as pinturas foram exibidas.) Duas obras de vários painéis estão penduradas na parte superior das paredes, atraindo o olhar para áreas que a maioria dos observadores ignora. No oitavo andar, a Sra. Owens salta para a rodada, em uma peça de instalação composta por cinco telas independentes pintadas em ambos os lados.

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Imagens e técnicas ricocheteiam umas nas outras, estimulando-nos a fazer conexões de todos os tipos - dentro da obra e ao longo da história. Encontramos amantes tirados de uma escultura de um templo indiano; macacos e cães leões emprestados da arte chinesa; uma cabra comedora de uva rodeada de lindas folhas (algumas de feltro), sugestivas de arte popular; e planos de cor aparentemente abstratos que acabam retratando paredes de galerias, arranha-céus urbanos ou a decoração de um suave interior marrom de Hollywood.

Em uma colaboração de 1998 com o artista-designer Jorge Pardo, a Sra. Owens reconhece o papel da pintura como decoração. Ele fez jogos de quarto simples em tons de marrom, laranja e verde claro. Ela fez pinturas correspondentes que retratam grandes colmeias com abelhas de polinização cruzada e volumosas zumbindo - uma cena que encontrou bordada em um travesseiro de loja de artigos baratos.

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Uma abstração recente impressionante, grande e vermelha, é pontilhada com mais de uma dúzia de rodas (bicicleta, carrinho de bebê, kart). Pode ser uma homenagem à primeira roda de bicicleta pronta de Marcel Duchamp, mas também ecoa uma pequena pintura vermelha aqui - uma natureza-morta de flor putativa cujas flores são botões costurados. Uma tela recente pode ser um tributo monumental às composições giratórias de Jackson Pollock - mesmo que seja feita inteiramente de gatos, desenhados à mão livre em carvão, fixados com pedaços de grade impressa e pontuados com rajadas de tinta spray.

A mostra - organizada por Scott Rothkopf, o vice-diretor de programas e curador-chefe do museu, e Jessica Man, uma assistente de curadoria - é acompanhada por um álbum de recortes inovador de um catálogo que tem a espessura e as páginas brilhantes de uma edição de setembro da Vogue, que de alguma forma se encaixa. Em outro exemplo da generosidade da Sra. Owens: cada capa (da primeira tiragem de mais de 8.000 catálogos) é uma serigrafia única feita pela artista e sua equipe.

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O catálogo está repleto de material de arquivo - notas, esboços, comunicados à imprensa e listas de preços - e fotografias sobrepostas, com muitas sombras projetadas. Intercalados estão histórias orais e comentários de familiares, amigos, colaboradores, ex-professores e alunos. Embora existam vários ensaios, a totalidade é uma espécie de biografia em bruto. (A única desvantagem é que não é tão útil como um registro do show real.) Ele documenta o pensamento e os processos de trabalho da Sra. Owens, sua comunidade artística e os detalhes básicos de sua carreira, começando com cartas digitadas e continuando para e-mail e trocas de texto com marchands e curadores, mesmo aqueles para esta mostra. Desenhado por Tiffany Malakooti, ​​o catálogo tira vantagem brilhante da aparente relutância da Sra. Owens em jogar coisas fora.

Esta exposição bonita e inteligente é um bom presságio para pintura, produção de exposições e até mesmo design de livros de arte. A combinação exala um otimismo como aquele que acompanha Retrospectiva emocionante de Kerry James Marshall no Met Breuer no ano passado. Esses dois artistas são muito diferentes, mas sua mensagem básica é que a pintura pode ser renovada de maneiras que não vimos antes, seja ela remodelada pela meditação erudita do Sr. Marshall sobre a vida negra na América, ou explodida de dentro, como no Ms O formalismo mundano e abrangente de Owens. O fato de nenhum dos artistas estar entre os habituais suspeitos brancos do sexo masculino confirma mais uma vez que a diferença e a diversidade são essenciais para a vitalidade cultural.