A vida na pintura de David Hockney: Spare, Exuberant, Full

Um grande interior com terraço e jardim azul, de David Hockney, de 2017.

Desista por David Hockney, um dos mais velhos estadistas da pintura, e por sua retrospectiva cristalina no Metropolitan Museum of Art , que prossegue em uma série de miniexposições com curadoria perfeita. Verifique na porta as advertências e tsk-tsks usuais em relação a este anglo-californiano extremamente popular - que ele é um peso leve; que seu momento foi os anos 60; que ele é óbvio. Suspenda, pelo menos brevemente, a crença de que uma visão trágica, ou abstração, é essencial para entrar no panteão da história da arte.

Não, o Sr. Hockney, de 80 anos, não é Jasper Johns ou Gerhard Richter. Mas ele tem sua própria grandeza, que flui de seguir abertamente seus próprios desejos - incluindo sua atração por outros homens - enquanto explora rigorosamente as maneiras como a arte e a vida se alimentam, visual e emocionalmente. Revelação total, alegria direta e movimento para a frente são os dínamos de sua arte, o que, pelo menos em meu livro, lhe dá uma vantagem sobre Lucian Freud e Francis Bacon.

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Crédito...Charlie Rubin para The New York Times

O show simplificado do Met cobre a carreira prolífica de Hockney, agora entrando em sua sétima década, com apenas 60 telas e um pequeno cache de desenhos e fotocolagens. Ele se espalha por oito galerias, cada uma com suas próprias surpresas e peculiaridades, todas dignas de uma visualização prolongada, vigorosamente expostas por Ian Alteveer, curador de arte moderna e contemporânea do Met, que colaborou na exposição com a Tate Britain e o Centro Pompidou em Paris.

A abordagem bem enquadrada contorna os muitos caminhos muitas vezes maravilhosos da grande realização deste artista, incluindo gravuras e designs de cenário, desenhos de paisagens excelentes e vídeos. Existem apenas 21 de seus desenhos de retratos, a maioria do final dos anos 1960 e 1970 e nenhum recente, apenas o suficiente para afirmar sua excepcional habilidade de desenho. Cinco de suas colagens fotográficas enganosas, embora implicitamente cubistas, começando por volta de 1982, sinalizam sua libertação dos confins da perspectiva de um ponto.

As fotocolagens formam uma espécie de porta de entrada para as três últimas galerias exuberantes do show e as paisagens expansivas, interiores e, mais recentemente, vistas do terraço envolvente de um azul intenso acima da piscina e do jardim da casa do Sr. Hockney em Los Angeles. Nessas cenas vertiginosas e enviesadas, com suas superfícies ardentes e às vezes múltiplas, às vezes reversas perspectivas, ele prova que os legados do fauvismo, cubismo, pós-impressionismo e abstração biomórfica estão maduros para um maior desenvolvimento - auxiliado por doses saudáveis ​​de escala, ampliação, espontaneidade e cor saturada. Opiniões de Thomas Moran do Grand Canyon e Sebes e campos de condestável figura na mistura. Em um texto final na parede, Hockney diz que pintou as cores de Matisse em sua casa em Los Angeles, mas você já deve ter percebido que ele seguiu no denso azul, verde, preto e vermelho da implacável obra-prima de 1909 do modernista francês, A conversa, como ninguém, Matisse incluído.

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Crédito...Charlie Rubin para The New York Times

Esse foco próximo é justificado. A pintura é o início e o fim da arte do Sr. Hockney, o ponto de partida de suas incursões em outros reinos pictóricos e o porto para o qual ele inevitavelmente retorna, com as descobertas em mãos. A única decepção é que termina um pouco cedo demais. Mais duas galerias dedicadas a paisagens desde 2000 teriam sido perfeitas. Mas as exposições que não nos cansam têm suas próprias recompensas - neste caso, uma visão panorâmica de uma jornada artística emocionante.

Hockney às vezes é pejorativamente comparado a pesos leves como Raoul Dufy. Talvez, mas apenas se Dufy (sem intenção de desrespeito) tivesse um pouco do talento feroz de Picasso e a paixão destemida de Matisse pela cor. Não diminui a grandeza do Sr. Hockney que sua inteligência, dons e curiosidade onívora sejam impulsionados por uma disposição inerentemente ensolarada. Seu amor por seus amigos e família, seu deleite com as generosidades visuais da natureza, sua síntese de outras artes e estudo da percepção visual - tudo isso resplandece em tudo o que ele faz, em vários graus, junto com uma apreciação supremamente incontestável de si mesmo.

Isso fica aparente nas fotos de amor e camaradagem homossexuais, pintadas enquanto ele era estudante no Royal College of Art, descobrindo a vida gay em Londres e já uma estrela emergente da arte. (Sua primeira exposição individual na Galeria Kasmin em Londres em 1963 esgotaria.) Feitas em uma época em que a homossexualidade era um crime na Grã-Bretanha, essas obras corajosas não foram vistas em nenhum número em Nova York desde 1988 - na primeira retrospectiva de Hockney do Met. Eles precedem em décadas a separação artificial entre a arte de identidade e a elevação acima de outros tipos de arte. Devem ser uma revelação para as gerações mais novas, incluindo os pintores que usam estilos figurativos para contar as suas próprias histórias, assim como a sua obra estimula a convicção, também corrente em alguns quadrantes, de que a pintura não tem limites.

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Crédito...Charlie Rubin para The New York Times

As primeiras pinturas indicam a atenção de Hockney ao Expressionismo Abstrato e aos scrums figurativos de Bacon e sua propensão para a dispersão de números, textos e rótulos de produtos que pressagiam a Pop Art. Eles culminam em The Third Love Painting (1960), em que uma grande figura de falo encimada por cabelos pretos contém um pequeno bloco de texto escrito à mão: as linhas finais de um poema de Walt Whitman sobre sua felicidade enquanto estava deitado ao lado de seu amante adormecido, sob a mesma capa na noite fria.

O homoerotismo torna-se sarcasticamente explícito em Cleaning Teeth, Early Evening (10pm) W11, de 1962, em que duas criaturas semelhantes a vagens se dão prazer, seus órgãos genitais descritos como caixas vermelhas etiquetadas Colgate. E emerge do quarto do Baconesque O Cha-Cha que Dançava nas Primeiras Horas de 24 de março de 1961. Aqui, uma figura desfocada de terno branco de salto e bolsa de mão dança diante de blocos abstratos de vermelho e azul. Seu nome, Peter, é indicado, assim como a reação do artista: Eu amo todos os movimentos.

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Crédito...Coleção Astrup Fearnley, Oslo, Noruega

O próximo grupo de pinturas - 10 de 1962 a 1965 - é um tour de force de crescimento artístico, estimulado em parte por viagens à Itália e Nova York e, no início de 1964, a Los Angeles, com a qual ele havia fantasiado por algum tempo , inspirado tanto por seu clima ensolarado quanto pelas revistas rechonchudas publicadas lá. A prova é a cena doméstica encantadoramente inocente, Los Angeles de 1963, que mostra um homem vestindo apenas meias e um avental lavando as costas de um homem tomando banho, na companhia de uma confortável poltrona forrada de chita. (Os números vêm de revistas como Young Physique.)

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Crédito...Coleção particular, por meio do Metropolitan Museum of Art

Nessas pinturas, o estilo figurativo estranho de Hockney se desenvolve em direção ao naturalismo, balançando impudentemente entre arte e ilustração. Sua dispersão de adereços díspares torna-se mais enfática, assim como extensões de tela bruta. Esses esforços podem ser o último suspiro ironicamente alegre da muitas vezes lúgubre figuração existencial do período do pós-guerra - no seu melhor na obra de Jean Dubuffet, que o Sr. Hockney admirava.

A arte se torna um personagem por si só em duas pinturas que combinam um homem em trajes contemporâneos com uma estátua egípcia exoticamente adornada. Aspectos da abstração do campo de cores aparecem como faixas brilhantes indicando arco-íris, sóis e montanhas. Combinam-se diferentes modos de representação. Na Califórnia Art Collector, uma matrona, representada em grisaille moderno, ocupa uma poltrona sob um alpendre que ecoa a manjedoura na Natividade de Piero Della Francesca na National Gallery de Londres.

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Crédito...Coleção de Giancarlo Giammetti, Nova York

Os espaços estáticos e as figuras da arte de Piero ajudam o Sr. Hockney a alcançar um naturalismo unificado, baseado na observação de pessoas, lugares e coisas reais. (Em The Room, Tarzana, uma imagem silenciosamente desejosa de 1967, o amante do artista deita-se de bruços em uma cama, nu abaixo da cintura.) glorifique os céus, as piscinas, a arquitetura e os gramados de Los Angeles. A abstração se esconde, especialmente em A Bigger Splash e A Lawn Being Sprinkled.

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Crédito...Charlie Rubin para The New York Times

Eventualmente, seu cenário geométrico se suaviza e a tela é habitada por pessoas íntimas do artista, que ficam de pé ou sentam imóveis, geralmente em pares, em suas casas ou em seu estúdio. Apresentados com delicada ternura, sutileza psicológica e sutileza técnica, esses temas incluem Christopher Isherwood e Don Bachardy; Ossie Clark e sua esposa, Celia Birtwell; e Henry Geldzahler, curador fundador do departamento de artes do século 20 do Met, e Christopher Scott.

Outros retratos são ambientados no estúdio do artista. Em um, Geldzahler sozinho contempla reproduções de pinturas, incluindo o Batismo de Cristo de Piero, pregado em uma tela dobrável; em outro, os pais do Sr. Hockney estão sentados como se tivessem caído de paraquedas em sua sala de estar em Yorkshire, a mesma reprodução de Piero refletida em um espelho de barbear antigo. São obras simples, porém suntuosas, cheias de detalhes pessoais, à maneira do retrato europeu, de van Eyck a Degas e Manet. Eles são tão grandes e espaçosos que você quer pisar neles, mas tão finamente trabalhados que você fica feliz em ficar do lado de fora examinando suas superfícies exigentes.

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Crédito...Charlie Rubin para The New York Times

Ao longo desta exposição encantadora e envolvente, as telas do Sr. Hockney estão vivas com as várias maneiras de lutar três dimensões em duas, uma tendência que ele pensa ter sido embutida nos artistas, das cavernas até agora e no futuro. Em suas obras, ampliamos o zoom em folhas de grama, tapetes felpudos, tweeds, gotas d'água, papel de parede pontilhista, pontos e traços de vermelho e azul, extensões de verde sobre verde semelhantes a uma tapeçaria. E recuamos por suas arquiteturas gratificantes de forma e espaço, amplificadas por cores e presságios de abstração.

Na galeria final da mostra, as pinturas de Hockney de seu terraço azul são acompanhadas por uma animação em três telas de seus desenhos no iPad, sua mais recente excursão em novas tecnologias, que começou décadas atrás com a copiadora de fotos e a máquina de fax.

Nas telas, todos os tipos de linhas, marcas e cores se fundem nas vistas da janela do quarto do Sr. Hockney em Bridlington, perto de sua cidade natal em Yorkshire, onde ele morou recentemente por um tempo. Nas mudanças de detalhes e estilo, de clima, luz e estação, vemos o processo de olhar e fazer jogo em tempo real. Parece um presente de despedida, um segredo compartilhado e uma forma de dizer, está vendo? Isto é o que é tudo sobre.