Você ouviu isso? Era arte
Veja como este artigo apareceu quando foi originalmente publicado no NYTimes.com.Shhh. Ouvir.
Nenhuma coisa?
Ouça novamente.
Observe o som do ventilador do seu computador em meio a sirenes distantes. Ouça sua esposa na sala ao lado, tocando o canal Bowie no Spotify enquanto conversa ao telefone com sua sogra. Mais ao longe, uma TV está sintonizada com as notícias e um aparelho de som reproduz Bach, enquanto um mouse desliza dentro de uma parede.
E saiba que cada um desses sons agora pode ser o tema da arte, assim como cada visão que vemos e imaginamos, de frutas em uma tigela à cor da luz e relógios que derretem, tem sido matéria para pinturas, esculturas e fotos. A arte sonora está em ascensão há uma ou duas décadas, mas pode ter finalmente chegado ao mainstream: no sábado, o Museu de Arte Moderna está abrindo sua primeira pesquisa sônica completa, Sondagens: Uma Partitura Contemporânea, enquanto duas grandes instalações de som serão lançadas em Nova York no outono.
A arte do som questiona como e o que ouvimos, e o que fazemos com isso, a curadora Barbara London escreve em seu ensaio de catálogo para a mostra Modern - o que significa que o movimento tem compra em muito que importa. Empoleirada em um escritório bem acima do jardim do MoMA, onde sua exposição irá inserir gravações furtivas de sinos, a Sra. London explicou que os artistas são mais do que nunca atraídos pela arte sonora, talvez porque ela se situe na excitante cúspide dupla, como ela disse, de ambos música e galeria de arte. Seu novo show (ou deveríamos chamá-lo de ouvir?) Reflete o apogeu, como ela disse, a que a arte sonora atingiu agora.
A pesquisa de London incluirá aqueles sinos gravados pelo sonador americano Stephen Vitiello, bem como gravações feitas perto de Chernobyl por Jacob Kirkegaard, um dinamarquês, e uma grade de 1.500 pequenos alto-falantes, cada um tocando um tom diferente, pelo jovem nova-iorquino Tristan Perich. Também contará com a presença de Susan Philipsz, nascida em Glasgow, que o mundo da arte leva muito a sério.
No Modern, a Sra. Philipsz reprisará um trabalho de 2012 da Documenta da Alemanha, o festival que ocorre duas vezes por década e é um dos eventos artísticos de maior prestígio do mundo. Seus riffs de Study for Strings em uma peça orquestral composta em 1943 no campo de concentração de Theresienstadt para músicos de lá. Para sua gravação, a Sra. Philipsz editou as partes de todos os instrumentos, exceto um violoncelo e uma viola, deixando silêncios plangentes entre as notas dispersas dos dois instrumentistas - e, é claro, evocando o apagamento de músicos e artistas pelos nazistas.
Para o público, a arte sonora ainda é um meio relativamente novo e muito acessível, disse Tom Eccles, curador de uma nova comissão da Philipsz neste outono em Nova York. Em um nível muito básico, ele acrescentou, o som é uma de nossas primeiras experiências - no útero, na verdade.
ImagemCrédito...Demetrius Freeman / The New York Times
A nova peça de Philipsz, chamada Day Is Done, será a primeira obra permanente de arte contemporânea em Governors Island, um antigo local militar ao sul de Manhattan cujos espaços públicos estão sendo renovados com um orçamento até agora de US $ 75 milhões. A Sra. Philipsz está montando quatro alto-falantes de trompete antiquados - do tipo que você veria em um estádio antigo - na fachada de um antigo quartel e por uma hora todas as noites, eles vão transmitir as notas dos toques de clarim. Os tons da melodia fantasmagórica vão passar de um alto-falante para outro, espalhando-se pelos espaços abertos da ilha.
Em um teste executado em um dia frio de primavera, a peça evocou a época em que os Taps seriam tocados diariamente na ilha, ao mesmo tempo que desencadeou pensamentos sobre funerais militares e perda de vidas. (Em 11 de setembro, os que estavam na ilha puderam ver o colapso das torres gêmeas.)
Day Is Done também evoca a presença marítima de Nova York. Visitando de sua casa em Berlim para o teste, a Sra. Philipsz disse que, depois que a gravação foi tocada no local pela primeira vez, pensamos que ainda estava ligada. Ela acrescentou: Mas era o som da buzina de um navio. Estávamos tão felizes.
O Sr. Eccles destacou que, com uma peça como Day Is Done, você não precisa reconhecê-la como arte imediatamente - o que significa que qualquer resistência automática à arte contemporânea tem menos probabilidade de aparecer. Uma obra de som permite que você fazer algo bastante complexo que pode ser inaceitável em outro meio, disse ele.
Isso pode ser por causa do papel que MP3s e podcasts agora desempenham em nossas vidas e por causa de nosso novo conforto com o mundo imaterial de dados puros, que faz a arte sonora imaterial parecer menos esotérica. As ondas sonoras que flutuam no ar podem não parecer mais exóticas do que as informações que fluem pelo ciberespaço.
Há mais uma peça sonora ambiciosa prestes a estrear em Nova York. No dia 10 de setembro, o Metropolitan Museum apresentará Forty Part Motet, instalação da canadense Janet Cardiff que pode ser uma das melhores obras, em qualquer meio, das últimas décadas e a primeira obra sonora no Metropolitan. Uma peça como a de Cardiff abre os olhos das pessoas para uma forma de arte diferente que elas não esperariam ver no Met, disse Anne Strauss, a curadora do projeto. É algo que podemos fornecer mais facilmente do que, digamos, arte performática.
Estávamos nos encontrando na parte alta da cidade de Manhattan, em uma capela do século 12 no coração da filial do Met’s Cloisters, agora comemorando seu 75º ano como um lar para a arte medieval. Os 40 alto-falantes da peça de Cardiff serão instalados em um anel naquela capela, cada um transmitindo o som de uma única parte musical da extravagância coral Spem in Alium, composta por volta de 1570 por Thomas Tallis. A peça de Cardiff consegue pegar uma das obras-primas mais imponentes da música ocidental e reduzi-la a modestos elementos humanos. Conforme você se aproxima de qualquer alto-falante, a única voz que você ouve parece frágil e confusa, e isso contrasta com o grande efeito que surge quando você está no centro de trabalho e ouve todas as 40 partes combinadas. Onde quer que Forty Part Motet seja instalado, um ou dois visitantes costumam ir embora aos prantos.
O mercado percebeu as conquistas da arte sonora. Eu meio que me resignei achando que nunca ganharia dinheiro, disse Philipsz. Na verdade, ela agora está bem. Ela vendeu as três cópias de sua primeira instalação na Tanya Bonakdar, galeria de Nova York que a contratou em 2007. Segundo o diretor da galeria, Ethan Sklar, sua peça na mostra do Modern, também em uma edição de três, é com preço de quase US $ 150.000. O Sr. Sklar falou sobre o apelo da arte da Sra. Philipsz para colecionadores e instituições que buscam os trabalhos mais fortes e desafiadores.
ImagemCrédito...Hong-Kai Wang
Também não faz mal, ele apontou, que haja menos dores de cabeça em armazenar e enviar um disco de dados Philipsz do que em alguma peça escultural enorme, embora seu som preencha o espaço de maneira igualmente impressionante: você pode ter um trabalho épico que se resume a um caixa.
Mas ainda é cedo no marketing de arte sonora. As casas de leilões Sotheby’s e Christie’s dizem que não venderam uma única obra sônica, embora tenham começado a obter bons preços para vídeos importantes. O ar vagamente sobrenatural da arte sonora pode, na verdade, aumentar seu apelo.
Não é realmente mercantilizado neste momento, o que o torna acessível, disse a Sra. London. Todas essas obras têm uma poesia e uma fugacidade.
A adoção da arte sonora pelo mainstream pode mascarar algo peculiar: mesmo quando o campo atinge novos patamares, ele também está em crise. Figuras treinadas em arte como a Sra. Philipsz e a Sra. Cardiff, que constroem um trabalho em torno dos sons que mais nos interessam - e que resistem à ideia de um gênero coerente chamado arte sonora - estão enfrentando uma velha guarda sônica, às vezes incluindo os mais jovens números, que um artista chamou de escola honk-tweet.
Alinhados com música experimental em vez de arte visual, os tweeters de buzina estão interessados em bipes e zumbidos estranhos para seu próprio bem. Eles elaboram o que o artista sonoro, teórico e blogueiro Seth Kim-Cohen chama de arte sonora puramente coclear, em vez de arte sonora totalmente consciente.
Em junho, o Sr. Kim-Cohen repreendeu a pesquisa do Modern por incluir tal trabalho, que ele descreveu como o equivalente sônico da Op Art, um movimento na pintura que não exige (ou merece) uma resposta crítica séria, como ele escreveu . Certamente, ele blogou, se o mundo da arte (visual) agora está disposto a abraçar o som, deveria fazê-lo de acordo com os mesmos critérios de qualidade e engajamento que exige de outras mídias.
Caleb Kelly, um estudioso que publicou recentemente um livro chamado Sound, compilando uma série de ensaios sobre a forma de arte, disse acreditar que peças como Motet de Cardiff, ou os riffs das trilhas sonoras de Hollywood do astro da arte suíço Christian Marclay, ainda irão importa em um século, ao passo que os tweeters de buzina de hoje (dial twiddlers, como Philipsz os chama) provavelmente desaparecerão, se continuarem a fazer a recauchutagem das inovações de John Cage no pós-guerra.
Os artistas do som gostam de salientar que, embora você possa fechar os olhos para uma imagem que odeia, não pode fechar os ouvidos para um barulho. Isso lhes dá poder, mas também os coloca em risco. Se uma buzina ou um tweet não fizer mais do que irritar, os visitantes votarão com os pés.