A coleção do Guggenheim, vista por Six Art Stars
Todo mundo é curador hoje em dia. Mas quando artistas experientes são convidados a organizar uma exposição da coleção de um museu, isso pode ser ótimo.
Coisas boas tendem a acontecer quando um museu convida um artista a vasculhar seus acervos e fazer a curadoria de uma exposição de obras de outras pessoas. Os artistas olham para uma coleção com mais liberdade e avidez do que a maioria de nós, de ângulos estranhos. Eles costumam desentocar tesouros esquecidos ou excêntricos, destacando o que os museus têm, mas não usam; eles também podem revelar as fraquezas de uma coleção, seus preconceitos e pontos cegos. E, ao usar as criações de outros para fazer novas conexões, os artistas também mostram novos lados de si mesmos.
Então imagine o que acontece quando o Museu Guggenheim convida seis artistas para selecionar seis mostras temáticas separadas, mas de fala cruzada, uma para cada rampa de sua famosa rotunda. Você consegue Licença Artística: Six Takes on the Guggenheim Collection, uma cornucópia rara, estonteante e estonteante de objetos, pontos de vista e planos.
O Guggenheim nunca montou uma exposição selecionada por um artista e mergulhar com seis transforma o que poderia ter sido um projeto leve de verão em uma conversa provocativa com seis lados. Os artistas, todos com exposições individuais no museu, limitaram-se às obras da coleção de 1900 a 1980, mas foram livres para criticar - uma jogada inteligente em um momento em que os museus estão sob novas pressões para permanecerem relevantes.
Organizados por uma equipe liderada por Nancy Spector, diretora artística e curadora-chefe do museu, os artistas parecem estar se divertindo.
Cai Guo-Qiang fixado em obras que mostram principalmente os grandes nomes do Guggenheim antes de se tornarem commodities culturais. Paul Chan montou um ensaio cativante sobre os papéis cruciais do prazer e da água como formas de renovação. Richard Prince e Julie Mehretu se concentraram na abstração do pós-guerra, para fins muito diferentes. Em busca de trabalhos de artistas negros e mulheres - e nem sempre os encontrando - Carrie Mae Weems e Jenny Holzer enfrentaram com eficácia as questões de falta de diversidade do Guggenheim.
'Sem marca'
Cai Guo-Qiang
ImagemCrédito...Karsten Moran do The New York Times
O show começa com um delicioso exercício de aquecimento selecionado pelo escultor e artista de instalações Cai Guo-Qiang, nascido na China e residente em Nova York, que pinta com pólvora. O Sr. Cai pendurou a parede principal do salão da High Gallery com 75 trabalhos de aparência bastante desconhecida em papel e pequenas pinturas, principalmente de artistas canônicos, antes de desenvolverem seus estilos de marca registrada, como ele diz em sua introdução: Kandinsky, Miró, Beuys, Picasso , Louise Nevelson e especialmente as obras maravilhosas de Franz Kline e Mark Rothko.
Outros são de artistas inseridos na história do museu, como Hilla Rebay, um de seus fundadores, representado por uma colagem ágil de um nu feminino. O Sr. Cai também incluiu vários de seus próprios trabalhos aqui, pequenas pinturas de paisagens do início dos anos 1980, quando ele estava usando óleos pela primeira vez e se adaptando aos estilos ocidentais e apenas começando a encontrar seu caminho, como os jovens artistas daqui.
‘Sexo, água, salvação ou o que é um banhista?’
Paul Chan
ImagemCrédito...Karsten Moran do The New York Times
ImagemCrédito...Karsten Moran do The New York Times
Paul Chan é mais conhecido por projetos conceituais um tanto misteriosos, mas ele se torna quase romântico aqui, estendendo um choque de carpete azul brilhante que encanta antes mesmo de seu convite para refletir sobre como o prazer nos renova. Não podemos trabalhar pela mudança nestes tempos de punição sem prazer, afirma o Sr. Chan, e ele vê a água - purificadora, curativa, sibarítica - como sua fonte universal, muitas vezes associada na arte com o motivo do banhista, em que o espiritual , o material e o sensual coincidem.
Aqui, a corroboração começa com uma peça em linguagem de Lawrence Weiner, To the Sea ..., e o quase todo azul Summer de Mondrian, Dune in Zeeland (1910), e terminando com um exuberante de Kooning tardio. Laurie Simmons, Ilse Bing, Rufino Tamayo, George Platt Lynes e Ernst Ludwig Kirchner evocam banhistas e banhos (mesmo em banheiros). O prazer, como a água, é um dos elementos essenciais da vida. Ignoramos o primeiro e desperdiçamos o segundo, por nossa conta e risco.
‘Quatro pinturas parecem certas’
Richard Prince
ImagemCrédito...Afro / Artists Rights Society (ARS), Nova York / SIAE, Roma; José Guerrero / Artists Rights Society (ARS), New York / VEGAP, Madrid; Karsten Moran do The New York Times
ImagemCrédito...Propriedade de Paul Jenkins / licenciado pela ADAGP; Karsten Moran do The New York Times
Conhecido por seu próprio empréstimo sarcástico de imagens, o pintor e fotógrafo Richard Prince monta uma espécie de enigma. Sua seção, Quatro pinturas que parecem certas, ecoa os títulos de seus primeiros trabalhos fotográficos que comentavam sobre a semelhança mortal entre modelos e poses em anúncios em revistas, como o seu Sem título (quatro mulheres que olham na mesma direção) de 1977. Mas aqui, certo também é um julgamento qualitativo, como correto.
Seu alvo é a ascensão da abstração americana nos anos do pós-guerra, que ele argumenta ter sido na verdade um movimento transnacional, e também discorda da ênfase exagerada na originalidade e autoria. Ele apresenta conjuntos de obras abstratas surpreendentemente semelhantes, a grande maioria de artistas menos conhecidos de vários continentes. Desenhos de Philip Guston, Judit Reigl e Georges Mathieu são composições lineares que evocam andaimes atenuados. Pinturas de Jack Tworkov, Afro e José Guerrero repetem o uso ousado do amarelo e do preto. Um Pollock falso da coleção do artista é contrastado com o real do Guggenheim.
Uma grande pintura de 1956 do americano Paul Jenkins, The Prophecy, oferece um panorama apocalíptico semelhante ao do pintor britânico do século 19, John Martin. E duas telas de 1961-62 (também de propriedade do Sr. Prince) de Stuart Sutcliffe, um dos primeiros baixistas dos Beatles que trocou o rock 'n' roll pela arte, parecem completamente certas. O mesmo acontece com uma série de esculturas maravilhosas e pouco vistas de Herbert Ferber, Claire Falkenstein, Michael Lekakis e Étienne Hajdu.
‘Cry Gold and See Black’
Julie Mehretu
ImagemCrédito...The Estate of Francis Bacon / DACS, London / Artists Rights Society (ARS), Nova York; Karsten Moran do The New York Times
A pintora Julie Mehretu adota uma abordagem completamente diferente no mesmo período do pós-guerra: é pouco reconhecida global turbulência - das réplicas do Holocausto ao advento da era atômica, a ascensão do movimento americano pelos direitos civis e as guerras de independência da África - e a forma como tudo reverbera através da arte.
A abstração, ela escreve, forneceu um vocabulário experimental para significar a magnitude da destruição causada pela guerra. Ela encontra conflagração ecoando em um relevo de madeira queimada por Alberto Burri bem como nas obras de James Lee Byars e Norman Lewis . A fragmentação dos corpos transparece nos esforços de Francis Bacon, David Hammons, Wifredo Lam e do pintor chileno Matta; uma das primeiras esculturas de chumbo rasgado de Richard Serra e uma performance em três fotografias de Senga Nengudi .
A Sra. Mehretu também ressuscita os autorretratos dos esquecidos baseados em performance Feijão blythe seguido por uma grande pintura de Asger Jorn que evoca exuberantemente o caos. A Sra. Mehretu encontra bastante Sturm und Drang na abstração; é um espelho de seu tempo.
'O que poderia ter sido'
Carrie Mae Weems
ImagemCrédito...Karsten Moran do The New York Times
ImagemCrédito...Artists Rights Society (ARS), Nova York / VG Bild-Kunst, Bonn; Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York
A artista Carrie Mae Weems acha a coleção do Guggenheim dolorosamente precária em obras de artistas negras, pardas ou mulheres. Em seu texto de parede, ela elogia o museu por seus muitos objetos maravilhosos e semelhantes a joias, mas afirma sem rodeios que falta a complexidade de uma representação verdadeiramente diversa, que poderia ser facilmente alcançada se seus olhos estivessem abertos.
Para acentuar essa ausência, ela recorreu à metáfora, limitando-se quase inteiramente a obras em preto e / ou branco. A única obra com cores reais é a pintura de Max Beckmann de 1934, Ali With Mask, que retrata uma odalisca indolente cuja máscara preta a faz parecer quase cega - como o museu, parece dizer a Sra. Weems. Suas seleções formam uma procissão elegíaca de pinturas e esculturas de Alberto Giacometti, Mondrian, Armando Morales e Franz Kline.
Tais obras refletem uma integração formal, o dinamismo e até a interdependência do preto e branco. Um grupo de fotografias de todo o mundo retrata pessoas negras ou brancas, mas nunca os dois juntos. A exceção é assustadora: Frederick Ashton With Dancers, de George Platt Lynes, um retrato de 1934 do coreógrafo britânico, de terno, com três homens negros nus dispostos diante dele. Em uma das justaposições mais marcantes da mostra, a pintura preta em forma de barbatana de Marilyn Lenkowsky de 1977 tem vista para Bask, uma escultura de pinho colorido de 1976 de Martin Puryear que se eleva do chão como uma onda ou a ponta de uma rocha.
‘Bons Artistas’
Jenny Holzer
ImagemCrédito...Estate of Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), Nova York; Karsten Moran do The New York Times
ImagemCrédito...Helen Frankenthaler Foundation Inc./Artists Rights Society (ARS), Nova York; Karsten Moran do The New York Times
Continuando o exame da Sra. Weems sobre os pontos fracos do museu, a provocante artista baseada em texto Jenny Holzer aborda a pequena porcentagem de obras de mulheres da coleção em uma exibição impressionante dedicada aos seus esforços. (O museu diz que aproximadamente 15 por cento das obras na coleção de 1900 a 1980 são de mulheres artistas.) Sua seção é ao mesmo tempo uma celebração e uma repreensão às deficiências do museu. Inclui uma peça de parede em tela pintada de maneira fantasmagórica por Lee Bontecou e o enorme relevo em madeira pintada de Nevelson, de 1971, cuja composição rítmica uniforme o torna um de seus melhores.
A cor ressurge no vigoroso Canadá I de Joan Mitchell (1975), o início de seu grande período tardio, pendurado em uma baía própria e, em seguida, explode com amarelos escuros compartilhados por Natalia Goncharova's Cats (percepção rayist [ção] em rosa , preto e amarelo) de 1913 e o suntuoso Canal de 1963 de Helen Frankenthaler. Abrangendo meio século, eles constituem um dos melhores momentos do show e parecem enfatizar a mensagem da Sra. Holzer: Em qualquer momento da história, sempre há bons artistas que por acaso são mulheres.
Há uma tensão e clareza admiráveis entre as declarações dos artistas e o que eles colocaram em exibição, o que torna a Licença Artística densa e emocionante e sustentará repetidas visitas. As seções se complementam ou se contradizem, tornando o espetáculo mais do que a soma de suas partes consideráveis. Tudo menos vira o Guggenheim do avesso, revelando o que as ênfases do museu realizaram tanto dentro quanto fora do cânone e também onde ele precisa virar a seguir: em direção à área do mainstream anteriormente conhecida como margens, que está realmente em toda parte.
Licença Artística: Six Takes on the Guggenheim Collection
Até 12 de janeiro no Solomon R. Guggenheim Museum, Manhattan; 212-423-3500, guggenheim.org .