Judy Chicago em Rescuing Women From Art History’s Sidelines

A Sra. Chicago, que tem novos shows em Los Angeles e Washington, fala sobre pintoras pioneiras.

Judy Chicago em seu espaço de artes, Through the Flower, em Belen, N.M.

Judy Chicago, a artista e autora feminista, está jogando para as costas este mês. Há uma mostra de seu importante trabalho inicial em Galeria de Jeffrey Deitch em Los Angeles até 2 de novembro, e uma nova série feita em porcelana pintada e vidro chamada The End: A Meditation on Death and Extinction, com estreia quinta-feira às o Museu Nacional da Mulher nas Artes em Washington. Seu trabalho mais famoso, O jantar, uma instalação épica de 1979 que imaginava uma reunião de 39 mulheres importantes marginalizadas pela história, continua em exibição permanente no Museu do Brooklyn.

Recentemente, ela trouxe fogos de artifício para a pequena cidade de Belen, N.M., onde vive desde 1996. A pirotecnia celebrou a abertura de um novo espaço público para sua organização artística sem fins lucrativos, Através da flor - e seu 80º aniversário. No mês passado, em seu primeiro evento lá, a Sra. Chicago falou com Jori Finkel - um colaborador do The New York Times e autor de Isso fala comigo: arte que inspira artistas - sobre uma fonte de inspiração para seu próprio trabalho: pioneiras da pintura abstrata, including Georgia O’Keeffe, Hilma af Klint e Agnes Pelton. Dos três, Pelton (1881-1961), ainda está à margem da história, mas isso está mudando: uma grande pesquisa, Agnes Pelton: Desert Transcendentalist, viaja do Phoenix Art Museum ao Museu de Arte do Novo México em 5 de outubro e chega na próxima primavera em Nova York, no Whitney Museum of American Art .



Estes são trechos editados de sua conversa.

JORI FINKEL Por que o trabalho de Agnes Pelton fala com você?

JUDY CHICAGO Eu amo o trabalho dela. Ela foi contemporânea de Georgia O’Keeffe, que trabalhou no Novo México e depois se retirou para o deserto na Califórnia. Ela fazia parte do Grupo de Pintura Transcendental, pintores muito interessados ​​em flexionar seu trabalho com a espiritualidade. Sempre que via uma pintura de Pelton - o que era raro, na verdade; um aqui, um ali - sempre fui atraído pela luminosidade: uma sensação de luz e luz interior que também tentei trazer para o meu trabalho.

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Crédito...Museu de Arte do Novo México

Você tem sido um fã do Despertar dela (Memória do Pai), de 1943, há anos.

Minha leitura da pintura é que é uma cena de sonho, uma paisagem abstrata com dia e noite presentes ao mesmo tempo. Tem esta forma no céu que foi descrita como uma trombeta dourada. Mas se você olhar de perto, por baixo dessa forma e também por cima, há uma textura tênue que dá a sensação de que está se movendo. Para mim, essa forma é um símbolo luminoso de morte. O pai de Agnes Pelton morreu quando ela tinha 10 anos. Meu pai morreu quando eu tinha 13 anos e também lidei com a morte dele por meio da abstração. Pelton usou a abstração para transmitir um significado pessoal em vez de apenas pingar tinta na tela, como Jackson Pollock, ou fazer formas abstratas, como Ellsworth Kelly. Uma de minhas teorias é que, até o advento da abstração, as mulheres artistas não eram livres para transmitir suas experiências diretamente. A abstração abriu a paisagem visual para inventarmos formas de transmitir nossa realidade interna.

Além de Pelton, em quais outros artistas você está pensando?

Natalia Goncharova, Sonia Delaunay, Georgia O’Keeffe, Sophie Taeuber-Arp, a partir do início do século 20, quando a abstração se tornou um possível modo de expressão. Anteriormente, as mulheres artistas, como Artemisia Gentileschi, tiveram que encaixar suas formas em uma tradição da história da arte criada por homens, como a forma como ela usava [sua tradução] do tema bíblico de Judith decapitando Holofernes para expressar a violência de ser estuprada.

Hilma af Klint também tem sido uma verdadeira revelação no mundo da arte recentemente, desde seu recente show no Guggenheim.

Isso é um eufemismo [risos].

Normalmente contamos a história da abstração identificando três ou quatro homens que a inventaram na mesma época em 1913: Mondrian, Malevich, Kandinsky e Frantisek Kupka. Vendo as pinturas de Hilma af Klint para o Templo do Guggenheim, que ela começou em 1906 como resultado de suas sessões, apenas revirou esta história.

Esta mostra foi importante para a história da arte porque esta foi uma narrativa aceita, promovida pelo Museu de Arte Moderna (MoMA) em todo o mundo: A arte moderna foi inventada por quatro artistas homens. Não.

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Crédito...George Etheredge para o New York Times

Mesmo recentemente, em um programa de 2013 chamado Inventing Abstraction que tentou complicar a história da abstração com mais de 80 artistas, o MoMA não incluiu Hilma af Klint. O raciocínio deles era que ela não era uma artista verdadeiramente abstrata porque representava o reino espiritual. E agora Agnes Pelton é chamada pelos críticos de nova Hilma af Klint.

Historicamente, há um precedente para isso. Havia uma mulher chamada Hildegard de Bingen , por exemplo, da Alta Idade Média, que foi abade e dois séculos depois, algum outro místico religioso seria chamado de Hildegarda de Bingen do século XIV. Portanto, agora temos a categoria Hilma af Klint na qual todas essas outras mulheres estão inseridas. Não, apenas deixe Agnes Pelton ser Agnes Pelton.

Sonia Delaunay, que com seu marido, Robert Delaunay, desenvolveu esse tipo de abstração colorida e sinfônica chamada Orfismo, tem uma história interessante. Foi em 1911 que sua pintura passou de figurativa a abstrata. Ela sempre disse que o ponto de virada foi fazer uma colcha de retalhos para seu filho pequeno. E ela passou a trabalhar como designer de moda, figurinos, cenários e livros. Será que o design e o artesanato podem ser uma raiz da pintura abstrata?

Isso é muito interessante. Lembro-me de muitos anos atrás, havia um artigo em uma revista de arte sobre o artista Liza Lou , que faz trabalhos com miçangas e, em vez de colocar seu trabalho no contexto da história da miçanga, como miçangas nativas americanas ou artesanato feminino, eles a colocam na tradição de Andy Warhol. Porque a maneira de validar um artista, especialmente uma mulher, é colocá-los no contexto da importante arte masculina. O que você está falando agora abre a possibilidade de começar a ver mulheres em nossa própria tradição. Eu tenho olhado para muitos trabalhos de outras mulheres para validar meu próprio senso de forma e também de cor. Quando eu olho para as pinturas de Hilma af Klint e vejo todos aqueles tons pastéis, eu penso: Uau, eu amo esse tipo de cor.

Pelton, Hilma af Klint, Delaunay e O’Keeffe eram coloristas ousados, embora em seu primeiro grupo de abstrações O’Keeffe evitasse deliberadamente a cor.

Também fiz isso na minha primeira década de prática criativa, porque na pós-graduação eles me incomodaram muito com a escolha das cores. Eles odiavam minhas cores. Então, por um tempo, meu trabalho foi monocromático, como com os cilindros de 10 partes no show de Jeffrey [que a Sra. Chicago fez de fibra de vidro em 1966 com a ajuda de construtores de barcos - e refeito para o show de Deitch]. Isso me permitiu focar na forma, então posso ver por que ela fez isso.

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Crédito...Judy Chicago; Jeffrey Deitch; Elon Schoenholz

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Crédito...Milwaukee Art Museum

Barbara Haskell, curadora do Whitney, fala sobre as origens Art Nouveau das formas abstratas de O’Keeffe: são espirais, caracóis, gavinhas e formas sinuosas - formas naturais, não mecânicas.

Uma razão pela qual escolhi O’Keeffe e Virginia Woolf para adicionar ao O jantar A mesa é que acredito que essas duas mulheres começaram a forjar uma linguagem centrada na mulher tanto na arte quanto na literatura, que se tornou a base para inúmeras mulheres artistas. Eu costumava falar com Anaïs Nin, minha mentora, no início dos anos 70. Poderia haver uma 'linguagem feminina' na arte? Naquela época, estava completamente fora do diálogo da arte. O maior elogio que você poderia dar a uma artista feminina na época era dizer que ela pinta como um homem.

Nos anos 60 meu galerista L.A. Rolf Nelson tinha uma pintura em nuvem de 7 metros de O’Keeffe pendurada em sua galeria por US $ 35.000, e ninguém estava interessado. As pessoas não se lembram de quando O’Keeffe foi demitido ou quando Frida Kahlo foi chamada de esposa de Diego Rivera, que também pinta. Tudo isso mudou por causa do movimento de arte feminista, e agora estamos vendo décadas de bolsa de estudos começando a trazer uma nova compreensão para muito deste trabalho.


Judy Chicago: Los Angeles

Até 2 de novembro, Jeffrey Deitch, 925 N. Orange Dr., Los Angeles, Califórnia; deitch.com .

Judy Chicago - O Fim: Uma Meditação sobre a Morte e a Extinção Até 20 de janeiro de 2020, o Museu Nacional de Mulheres nas Artes, 1250 New York Ave NW, Washington; 202-783-5000.