Destino manifesto, na ponta de uma arma

‘The American West in Bronze, 1850-1925’

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Suzanne DeChillo / The New York Times

Por volta de 1905, os pais da cidade de Denver decidiram que um monumento para homenagear seus predecessores pioneiros estava em ordem. A comissão foi para Frederick William MacMonnies , um escultor americano formado em Belas Artes que viveu na França. MacMonnies propôs uma fonte de várias camadas encimada pela figura de um chefe índio, mas os cidadãos locais se opuseram a comemorar um inimigo recentemente temido e desprezado. Então, MacMonnies ofereceu, em vez de uma escultura do homem da fronteira geral Kit Carson (1809-68), que, até hoje, aparece em bronze montado em um cavalo empinado no cume do Monumento Pioneiro no centro de Denver.



Se tivessem sido consultados, os nativos americanos poderiam ter hesitado. Durante a Guerra Civil, Carson foi designado pelo Exército da União para fazer algo a respeito dos Navajo, cuja defesa de suas terras tribais contra as incursões de colonos havia se tornado um problema. No inverno de 1864, Carson prendeu 8.500 homens, mulheres e crianças Navajo e os forçou a viajar a pé cerca de 300 milhas no que veio a ser conhecido como o Longa caminhada . Centenas morreram ao longo do caminho; muitos mais sucumbiram a condições terríveis em uma reserva mal concebida e operada em Floresta Redonda no território do Novo México.

Uma pequena versão da escultura de Carson, produzida por MacMonnies em 1915 em uma época em que as estatuetas de bronze estavam na moda na América, agora pode ser vista em The American West in Bronze, 1850-1925, uma exposição espiritualmente preocupante no Metropolitan Museum of Arte. O rótulo da parede caracteriza Carson apenas como uma figura lendária, embora controversa. Ele observa, também, que Theodore Roosevelt comprou esta peça para si mesmo em 1915 e a exibiu em sua casa em Long Island junto com The Bronco Buster de Frederic Remington, que os companheiros Rough Riders de Roosevelt lhe deram quando o grupo se desfez em 1898.

Anunciada no catálogo como a primeira exposição em escala real a explorar os impulsos estéticos e culturais por trás da criação de estatuetas com temas do faroeste americano, a mostra apresenta 65 esculturas em sua maioria em escala de pedestal de 28 artistas. Está organizado de acordo com três temas: índios, animais selvagens e vaqueiros.

É menos emocionante do que parece. Quase tudo aqui está em um modo de realismo ilustrativo tridimensional. Feita em bronze, essa obra assume uma pátina de alta arte como se pertencesse a uma tradição contínua que data do Renascimento europeu. O que realmente é é kitsch: arte pseudohigh para uma clientela filistina geralmente rica, da costa leste, urbana e masculina.

Artistas como MacMonnies capitalizaram a popularidade de seus monumentos públicos emitindo pequenas cópias em centenas de edições e realizando exposições em galerias chiques em Nova York. A maioria dos artistas representados nesta mostra teve alguma formação acadêmica e seus trabalhos são visivelmente habilidosos. Mas quase nada é formal ou tecnicamente surpreendente, e há uma mesmice monótona no realismo ficcional que permeia tudo. (A escultura de 1914 de duas partes do modernista americano Paul Manship de um caçador indiano ajoelhado e o antílope que ele acabou de atirar com sua flecha é revigorante e excepcional por sua tradução de motivos superfamiliares em uma coreografia elegante em estilo Art Déco.)

Um humor nostálgico e arrependido invade o show. Na época em que a maior parte da obra foi feita - final do século 19 e início do século 20 - o Ocidente não era mais o que era. Os índios foram subjugados, os búfalos foram caçados quase até a extinção, e o cowboy broncobustente e armado de seis armas estava se preparando para seu close-up em Hollywood. Todas as esculturas parecem tristes com isso.

Mas o que exatamente eles estão lamentando? Uma das expressões mais pungentes de pesar é a de James Earle Fraser Fim da Trilha - a famosa imagem de um valente exausto em seu cavalo cansado, homem e fera curvados contra o vento frio que soprava em suas costas. Ostensivamente, esta é uma elegia para um povo nobre à beira do esquecimento. Como a historiadora da arte Carol Clark observa em seu ensaio de catálogo Índios no Mantel e no Parque, um crítico que escreveu em 1920 disse que acusou a estupidez nacional que avidamente e cruelmente destruiu uma raça de pessoas possuidoras de imaginação, integridade, fidelidade e nobreza.

Mas não há nada na escultura de Fraser ou qualquer outra coisa na exposição que critique abertamente o que a civilização euro-americana branca fez e estava fazendo aos povos nativos, animais e plantas da América do Norte. É como se a devastação do Ocidente fosse um desastre natural inevitável, e não o produto de programas e políticas perversos de negócios e governo.

Outra interpretação pode ver na escultura de Fraser uma cultura branca sofrendo por si mesma, pela perda de sua própria selvageria interior de alma. Os índios, cowboys, ursos e búfalos são metáforas para energias psicológicas e possibilidades que a civilização moderna deve manter sob controle para que as pessoas funcionem adequadamente em seu sistema baseado no mercado. O aparato de produção, venda e distribuição de arte de onde saem essas obras é precisamente o tipo de coisa que mata a natureza.

Organizada por Thayer Tolles, curador de pinturas e esculturas americanas no Met, e Thomas Brent Smith, diretor do Instituto Petrie de Arte Ocidental Americana no Museu de Arte de Denver, a exposição leva luz na interpretação. Normalmente é uma coisa boa deixar a arte falar por si mesma, mas aqui é preocupante, porque minimiza uma história do mundo real de violência e maldade aterrorizantes, para a qual as esculturas parecem alheias.

O ensaio da Sra. Clark inclui uma fotografia do chefe índio Pé Grande caído morto na neve após o massacre de Wounded Knee em 1890. Não há nada de glamouroso naquela imagem deprimente, ao contrário da escultura idealizante que a sra. Clark a compara, Fallen Warrior (Death of the Chief) de Gutzon Borglum, o escultor atrás do Monte Rushmore . Em Warrior, feito cerca de um ano após o massacre, um índio moribundo exibe seu físico esbelto, quase nu, enquanto se estica para agarrar o cobertor em seu cavalo de pé. A discrepância entre a realidade sombria e a fantasia sexy é a história não contada desta exposição.