No Met Breuer, pensando dentro da caixa

O novo posto avançado de arte contemporânea do Met será aberto ao público em 18 de março. Nossos principais críticos de arte, Roberta Smith e Holland Cotter, tiveram uma visão antecipada.

A partir da esquerda, O Batismo de Cristo de Jacopo da Ponte e duas obras de Ticiano, O Esfolamento de Marsias e A Agonia no Jardim.Crédito...Philip Greenberg para o New York Times

Apoiado por

Continue lendo a história principal

Esta revisão é de Roberta Smith. Ler Tomada de Holland Cotter aqui .

Depois de um ano e meio de antecipação, o reverenciado Metropolitan Museum of Art finalmente assumiu o edifício Marcel Breuer do Whitney Museum of American Art na Madison Avenue, prometendo ampliar e aprofundar seu envolvimento com a arte moderna e contemporânea. Renomeado como Met Breuer - com o mais sutil enfeitando pelos arquitetos Beyer Blinder Belle - esta mudança é a primeira etapa de um plano que incluirá uma nova ala de $ 600 milhões no edifício Met’s Fifth Avenue também.

Para aqueles que se perguntavam se o Met desafiaria o Museu de Arte Moderna ou o centro de Whitney, os dois shows de abertura no Met Breuer parecem mais um dedo do pé na água da arte contemporânea do que o mergulho esperado.

O menor dos dois é um belo levantamento dos desenhos e fotografias intimamente relacionados de Nasreen Mohamedi (1937-1990) da Índia, finalmente se tornando conhecida por sua visão visionária e culturalmente flexionada do minimalismo. No segundo andar do prédio, ele reflete o compromisso do Met com a arte não ocidental.

‘Inacabado’ e ‘Nasreen Mohamedi’ no Met Breuer

18 fotos

Ver apresentação de slides

Jake Naughton para o The New York Times

É um tanto oprimido pela cornucópia maior, mais ruidosa, às vezes incoerente da arte ocidental que é Inacabado: pensamentos deixados visíveis . Preenchendo o terceiro e o quarto andares, este esforço extenso é mais emocionante em suas primeiras seções, antes de 1820, onde combina várias obras da coleção do Met (cerca de um terço da mostra) com empréstimos espetaculares raramente vistos nos Estados Unidos. Essas obras emprestadas de Ticiano, Leonardo, Rembrandt e Rubens tornam-no um blockbuster de cair o queixo. As coisas estão muito mais calmas lá em cima, onde o show diminui em direção ao presente.

A ideia de examinar obras inacabadas do século 15 até o presente é atual, iluminadora e do agrado de todos. O ponto principal é que o Met, como um dos maiores museus enciclopédicos do mundo, tem um potencial único para contextualizar a arte moderna e contemporânea. Mas Inacabado deixa esse potencial praticamente inexplorado e o Met em sua zona de conforto, com arte mais antiga em uma bolha eurocêntrica hermeticamente fechada.

O Met é apenas um dos muitos museus com um caso virulento de FOMO, ou o medo de perder. Independentemente do tamanho ou do foco histórico, nenhum museu quer ficar para trás no que diz respeito às novidades. Quem pode culpá-los?

O mundo da arte contemporânea está entre as bugigangas mais brilhantes na faixa em expansão da cultura que agora combina alto e baixo; analógico e digital; entretenimento e moda. Este mundo é amplamente conhecido por seus preços altos, promoção social, celebridades insignificantes e níveis tóxicos de ego. Acredita-se que mais da metade de todos os colecionadores comprem arte contemporânea, o que torna o envolvimento com ela cada vez mais importante para atrair curadores e doadores, bem como visitantes. Como resultado, a arte contemporânea é mais visível do que em qualquer outro momento da história da arte, embora o que receba mais atenção seja apenas uma pequena fração do mundo real da arte.

Mesmo os museus firmemente estabelecidos no passado estão avançando rapidamente. Você pode ver exposições de pintores vivos na National Gallery de Londres, onde a coleção costumava parar com o impressionismo francês, e no Louvre. A Biblioteca e Museu Morgan, há muito o reduto dos amantes de livros raros e conhecedores de desenhos, passou a montar instalações em seu átrio Renzo Piano de grandes dimensões, que praticamente empurrou as galerias tradicionais dessa instituição para as margens. Desde que se mudou para instalações expandidas na Filadélfia em 2012, a Barnes Foundation montou mostras de trabalho de Yinka Shonibare, Ellen Harvey e Ellsworth Kelly.

Imagem A exposição examina obras inacabadas do século 15 até o presente, expandindo ainda mais a ideia de incompletude.

Crédito...Philip Greenberg para o New York Times

Embora museus enciclopédicos como o Met tenham sido amplamente estabelecidos como depósitos de culturas passadas, colecionar e exibir arte contemporânea é uma extensão lógica de seu mandato. E se encaixa facilmente em instituições enciclopédicas menores e mais jovens, como o Museu de Arte do Condado de Los Angeles, onde a arte contemporânea sempre teve destaque em seu perfil. Mas o Met é enorme e antigo, com uma história de tratar a arte contemporânea como algo secundário. Fazer com que ele mude é como virar um transatlântico; o capitão e a tripulação talvez estejam, compreensivelmente, procedendo com cautela.

Inacabado é um pouco inacabado, com uma segunda metade tão diferente da primeira que constitui outro espetáculo. No início, porém, está viva com patos estranhos que surpreendem os olhos, expõem segredos técnicos e nos deixam observar o desenrolar do processo criativo.

Imagem

Crédito...Jake Naughton para o The New York Times

Bem na saída do elevador está o lindo e sangrento The Flaying of Marsyas, de Ticiano, todo o caminho da República Tcheca, que pode envolver o trabalho de mãos posteriores, e seu fascinante episódico A agonia no jardim do Prado, no qual uma barra áspera de amarelo para a lanterna de um soldado romano e sua cota de malha quase fotograficamente precisa brilhar na noite. Na próxima galeria está a estupenda joia de Jan van Eyck, Santa Bárbara, da Antuérpia, feita em 1437 e o trabalho mais antigo da mostra. Uma combinação primorosa de ponta de metal e pincelada em painel, mostra a santa sentada no chão em meio a uma paisagem de suas vestes, enquanto ao fundo uma catedral sugere os portões do céu.

Nas silhuetas das figuras da Sagrada Família com São João Batista, de Perino del Vaga, a tinta aranhada revela pequenas figuras, sinais de uma cena completamente diferente que o artista abandonou. A cabeça e ombros de uma mulher de Leonardo (La Scapigliata), de cerca de 1500-05, tem um rosto tão polido que pode ser esculpido em marfim, mas quase não implica tranças. Está ladeado por um dos desenhos do artista e outro de Michelangelo. E além disso está o magnífico início de Peter Paul Rubens em Henri IV na Batalha de Ivry, seus homens e cavalos tão vivos com linhas flutuantes e revisões que podem ser animados.

Imagem

Crédito...Jake Naughton para o The New York Times

Imagem

Crédito...Jake Naughton para o The New York Times

O motivo pelo qual uma determinada obra é considerada inacabada é abordado em quase todos os rótulos de parede, tem sido discutido por gerações por estudiosos e conhecedores, e às vezes ainda é. Michelangelo e Leonardo eram lendários por começar mais do que terminar, atraídos por outros projetos por seu próprio talento de busca, demandas de patronos ou atrasos imprevistos. Rubens tirou as medidas erradas para sua cena de batalha, colocou o trabalho de lado e nunca mais voltou a ele. O São Bartolomeu de Rembrandt, em que uma cabeça magnífica e uma mão emergem de uma superfície marrom áspera, é pensado para pertencer a uma série de retratos de santos que indicam o início de seu estilo tardio de outro mundo. Em textos de parede, vários grandes nomes - o escritor romano Plínio, Delacroix, Picasso e também Rembrandt - anunciam que terminar uma obra é matá-la.

Uma distinção informal surge logo no início. Non finito - um termo que entrou em uso ativo na Renascença - refere-se principalmente a uma obra que um artista considerou concluída, embora possa parecer incompleta. Uma obra inacabada geralmente é deixada incompleta involuntariamente, muitas vezes com a morte de um artista (uma condição sinalizada aqui na etiqueta).

Imagem

Crédito...Jake Naughton para o The New York Times

Imagem

Crédito...Jake Naughton para o The New York Times

Além dessas duas categorias amplas, há distinções visuais, quase estilísticas. Às vezes, pinturas altamente detalhadas e quase concluídas incluem figuras que são apenas desenhadas; suas silhuetas podem se assemelhar a fantasmas ou esculturas de mármore. Em contraste, os retratos de artistas que vão de Rosso Fiorentino do século 16 a Alice Neel do 20 - visto em uma das poucas, mas eficazes misturas de períodos de tempo da mostra - muitas vezes combina rostos pintados com precisão e corpos vagamente esboçados. Isso às vezes era feito para chamar a atenção e criar intimidade e vitalidade. Em outros casos, a combinação indicou uma perda de interesse, como com o grande Self-Portrait Reflection, Fragment de Lucian Freud, no qual emaranhados de linhas desenhadas formam um andaime em torno do rosto aparentemente acabado do artista.

Existem pinturas acabadas com partes indefinidas - como as mangas e mãos borradas no Retrato de uma senhora e sua filha de Ticiano - ou esforços inacabados que são relativamente borrados por toda parte, como a cena de batalha de Rubens. E também há anomalias absolutas, como o retrato de Anton Raphael Mengs de 1775 de uma nobre espanhola com um vazio em forma de cachorro de colo nos braços e um rosto apagado que pressagia Magritte.

Imagem

Crédito...Jake Naughton para o The New York Times

Imagem

Crédito...Jake Naughton para o The New York Times

As questões de acabamento muitas vezes se tornam incidentais à experiência das próprias obras. A pintura reveladora de Gustav Klimt, Retrato póstumo de Ria Munk III, combina pinceladas soltas e desenhos mais soltos, evitando a claustrofobia de alguns de seus esforços totalmente concluídos. Um autorretrato de Edvard Munch que nunca passou da fase de desenho tem uma força espectral. O melhor dos cinco exemplos de paisagens marítimas tardias e possivelmente inacabadas de J. M. W. Turner pode causar uma espécie de congelamento do cérebro enquanto oscila entre o obstinado e o infinito, o realista e o abstrato.

Perto do final do século 19, o Inacabado começa a perder o ímpeto, achatando-se em uma espécie de caça onde está Wally pelos pedaços incompletos.

A mostra foi organizada por dois curadores do Met, Andrea Bayer do departamento de pinturas europeias e Kelly Baum de seu departamento de arte moderna e contemporânea, com contribuições de Sheena Wagstaff, presidente do departamento de arte moderna e contemporânea do Met. Na introdução do catálogo, eles escrevem que o escopo do programa é relativamente circunscrito e seletivo, e observam que outras direções poderiam ter sido seguidas.

Imagem

Crédito...Jake Naughton para o The New York Times

Você começa a considerar como o show poderia ter contado uma história mais nítida, porém mais inclusiva. Três pinturas de Freud são realmente essenciais, embora a maior estivesse em seu cavalete no momento de sua morte? Duas versões de Man on a Rope de Honoré Daumier têm uma aspereza escamosa que abre uma nova janela em seu processo de trabalho. Mas seu The Third-Class Carriage, que quase sempre está à vista no Met, parece desnecessário. Pelo mesmo motivo, o Funeral de Manet também.

O catálogo deixa mais claro do que os rótulos das paredes que a história da arte ocidental, e especialmente da pintura, está em muitos aspectos a uma marcha do alto polimento em direção ao inacabado, que é fundamental para o modernismo. No entanto, a galeria final no terceiro andar tem pouco a mostrar, exceto um Van Gogh espetacular, parte cru e parte cozido.

E no início do quarto andar, a exposição de repente se reduz a dois nomes marcantes: uma conversa sobre pinceladas fragmentadas entre várias pinturas de Cézanne e Picasso sob o olhar do enorme mas enfadonho riff a óleo sobre tela de Luc Tuymans em uma das aquarela de Cézanne naturezas mortas. Não há nenhuma entrada significativa de Matisse, um mestre do não finito - nada como sua visão superficial e ainda chocante de Notre Dame no Museu de Arte Moderna, com sua cor transparente e baixo relevo austero, ou mesmo os lilases do próprio Met. Movimentos inteiros como o fauvismo ou o expressionismo alemão estão ausentes. As chances de se desviar do cânone são perdidas. Por que não algo de Paula Modersohn-Becker (1876-1907), cujas pinturas foram inicialmente consideradas inacabadas?

Imagem

Crédito...2016 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nova York; Jake Naughton para o The New York Times

Conforme o show começa a pular do período do pós-guerra até o presente, ele se torna uma lista de chamadas de artistas aprovados em leilões, a maioria deles representados por um punhado de galerias comerciais.

Existem algumas obras e pontos maravilhosos nos quais a instalação clica. A perturbadora Mulher em uma poltrona vermelha de Picasso de 1931 - exibida em público pela primeira vez - tem o corpo lânguido de Marie-Thérèse Walter, mas um rosto virtualmente vandalizado por uma torrente de pinceladas em preto e branco e um coração delineado. Sem título, de Kerry James Marshall, é um retrato idealizado de uma pintora negra combinando alto acabamento com três instâncias de inacabamento; fica lindo ao lado de uma das telas pintadas por números de Warhol.

Imagem

Crédito...Philip Greenberg para o New York Times

Imagem

Crédito...Philip Greenberg para o New York Times

Os locais de boas-vindas são fornecidos por Jasper Johns’s Voice, de 1964-67, uma pintura revisada exibida no ato de se fazer; Untitled (Cold) de Brice Marden, uma expansão impressionante sobre o cubismo de 1985-86; As mutantes Slides of Changing Painting de Robert Gober; e os estranhos últimos trabalhos de Cy Twombly, um conjunto de seis composições em cascata em que o verde profundo e o branco excedem seus quadros, como vinhas crescidas. A galeria final tem outra excelente mistura geracional, desta vez de esculturas figurativas de Rodin, Medardo Rosso, Bruce Nauman, Louise Bourgeois, Rebecca Warren e Alina Szapocznikow.

Em quase todos os pontos, a arte em Inacabado poderia ter sido mais estimulada, em pequenas e grandes formas. Em vez de dois Mondrians, por que não emparelhar o maior com algo como Fin, a última pintura de Stuart Davis, que é semelhante em tamanho, ethos e uso de fita adesiva? E talvez até mesmo colocar a pintura de gotejamento de Jackson Pollock ao lado da batalha de Rubens? (Eles estão a poucos centímetros de ter exatamente o mesmo tamanho.) Teria sido mais nervoso e menos previsível. O Pollock não poderia parecer mais estranho do que agora, entre as pinturas de Yayoi Kusama e Roman Opalka.

Imagem

Crédito...Fundação Cy Twombly 2016; Jake Naughton para o The New York Times

A questão de saber exatamente o que o Met está fazendo no edifício Breuer ainda não foi respondida com clareza. O museu está em bases sólidas com sua pesquisa Mohamedi e também ao dar vida à arte mais antiga, às vezes com menos arte, como nas primeiras partes de Inacabado. Mas em torno da arte contemporânea, sua curva de aprendizado parece mais íngreme do que o esperado.

A segunda metade de Inacabado pode até ter ido além do Ocidente, pelo menos fazendo uma finta contra o globalismo que o Met está promovendo. Seu primeiro passo pode ter sido incluir um dos desenhos da Sra. Mohamedi do show no andar de baixo; suas grades idiossincráticas freqüentemente implicam em expansão infinita além de suas bordas de uma forma que o minimalismo local raramente faz. Mas talvez você não possa culpar o Met por olhar para a mesma lista de artistas que transforma tantos curadores de museus hoje. Nenhum deles será capaz de pensar fora da caixa até que pelo menos reconheça suas paredes.