Em ‘H {N) Y P N (Y} OSIS,’ de Philippe Parreno, Art Is the Big Idea

Philippe Parreno no Park Avenue Armory, onde sua obra H {N) Y P N (Y} OSIS será inaugurada em 11 de junho. Será sua maior instalação até hoje nos Estados Unidos.

Quando jovem, o artista francês Philippe Parreno tinha uma fantasia em que abriria a boca e um feixe de luz de projetor dispararia, lançando seus pensamentos sobre o que estava à sua frente, meio e mensagem em uma cabeça humana. Minha imaginação seria fácil e disponível, disse ele uma vez ao cientista da computação Jaron Lanier.

Por mais de 20 anos, a imaginação de Parreno esteve abundantemente disponível em programas que buscam, com uma espécie de talento operístico, mudar o sentido do que uma exposição de arte pode ser: uma escultura em movimento onde você pode sentar; uma peça composta por um ventríloquo falante e cortinas dançantes; outro em que a temperatura em uma galeria cai e um imenso monte de neve lentamente se revela. Como o monte de neve pode sugerir, tais peças nunca foram fáceis, para instituições de arte ou para os frequentadores da arte criados principalmente em pintura e escultura que permanecem educadamente no lugar, pedindo pouco além da contemplação.

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Crédito...Alex Welsh para The New York Times



Quando o Park Avenue Armory abre H {N) YPN (Y} OSIS, a maior instalação de Parreno até hoje nos Estados Unidos, em 11 de junho, será a primeira vez que o público americano será introduzido totalmente em seu mundo, infundido com doses agourentas de pós-moderno Filosofia francesa - Georges Bataille, Gilles Deleuze - mas também com a sensação envolvente e arrepiante de um bom filme distópico de ficção científica.

Quase todas as partes do imponente edifício do Arsenal serão utilizadas para seus propósitos: as persianas sobem e descem para criar períodos de escuridão e luz; as paredes externas serão equipadas com microfones, para trazer sons de rua amplificados, que serão traduzidos em música de piano que fará com que as luzes internas aumentem, pisquem e diminuam junto com o barulho urbano; telas imensas serão usadas para filmes, mas também como paredes flutuantes; e as treliças serão penduradas com mais de duas dúzias de peças escultóricas de assinatura do Sr. Parreno, marquises fantasmagóricas translúcidas que parecem ter sido separados de suas origens teatrais mundanas e elevados à forma platônica.

Ele não é o tipo de artista que quer colocar algo na parede, disse Tom Eccles, diretor executivo do Centro de Estudos Curatoriais do Bard College e curador consultor do projeto Armory. Ele quer derrubar a parede e erguer sua própria parede. Há quase uma espécie de provocação desenfreada para empurrar as instituições de arte o mais longe que puderem.

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Crédito...Philippe Parreno, via Pilar Corrias, Barbara Gladstone, Esther Schipper

Em parte, é por isso que Parreno e um grupo muito unido de artistas europeus que cresceram juntos na década de 1990 - entre eles Dominique Gonzalez-Foerster , Liam Gillick , Douglas Gordon e Pierre Huyghe (que acaba de assumir o Metropolitan Museum of Art’s jardim no telhado ) - só recentemente chamaram mais atenção nos Estados Unidos.

Embora tenham se tornado os queridinhos das poderosas galerias americanas - a Gladstone Gallery, que representa Parreno; Gagosian; Marian Goodman; 303 - seu trabalho geralmente exige mais controle do que as instituições de arte americanas estão dispostas a ceder. O efeito, que os tornou um dos artistas mais influentes de sua geração na Europa, é a criação de exposições concebidas como obras de arte para eles próprios. Objetos, música, filme, performance e arquitetura são tecidos juntos, de forma que o todo é maior do que a soma das partes. Como seus antepassados ​​conceitualistas nas décadas de 1960 e 1970, esses artistas questionam os objetos como os únicos transportadores da arte, e seu trabalho é fortemente moldado pelo teórico. (Idéias por si só podem ser obras de arte, como disse Sol LeWitt.)

Mas embora isso muitas vezes levasse a geração mais velha - artistas como Hans Haacke, Hanne Darboven e Robert Barry - a trabalhar visualmente quase lá , os artistas mais jovens abraçaram as ferramentas do espetáculo - luzes, câmera, ação - e tentaram direcioná-los para propósitos que contrariam a cultura de massa.

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Crédito...Alex Welsh para The New York Times

Em uma entrevista, Parreno, 50, uma presença careca e intensamente professoral que fala um inglês com sotaque denso e muito alusivo, descreveu seu pensamento sobre as exposições de arte como um espaço que se desdobrará no tempo.

Ele comparou a ideia a uma bateria, na qual uma certa quantidade de espaço contém uma certa quantidade de energia, mas o que é realmente produzido é o tempo. Sua geração, ele acrescentou, foi uma das primeiras a crescer fazendo shows com menos frequência em museus do que em prédios que foram reaproveitados em gigantescos receptáculos de arte indeterminada, como o Armory. É bom para tudo e para nada, é um lugar que sobra, um lugar onde a função é esquecida. E assim a função pode assumir a forma que ele desejar, disse ele, acrescentando: Um espaço escuro com ar-condicionado é sempre o espaço para ficção.

Desde que o Armory foi convertido há seis anos em um espaço do tipo kunsthalle para exposições temporárias, o Sr. Parreno é o único artista que vai assumir sua imensidão - uma sala de perfuração de 55.000 pés quadrados, tetos subindo para 85 pés - depois de ter recentemente comandou um espaço ainda mais assustador, com considerável aprovação crítica. No outono de 2013, ele transformou mais de 200.000 pés quadrados de Palácio de tóquio em Paris, onde mora e trabalha, em um ambiente walk-in, chamado Anywhere, Anywhere, Out of the World, em que os visitantes podem se perder entre as oferendas labirínticas. O fato de Parreno estar, ao montar o show em Paris, ainda se recuperando de tratamentos de câncer fez com que parecesse ainda mais uma façanha, um ato bombástico de resistência.

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Crédito...Alex Welsh para The New York Times

Muitas das peças individuais do Palais de Tokyo serão reconfiguradas para o show Armory, que permanecerá em exibição até 2 de agosto. Uma instalação de filme de 2012, Marilyn, evoca um fantasma, retrato de fluxo de consciência de Marilyn Monroe, recriando sua voz com um computador e mostrando através de seus olhos uma versão da suíte do Waldorf Astoria Hotel, onde Monroe morou por vários meses. Outro trabalho no filme apresenta Annlee, um personagem de mangá japonês para o qual Parreno e Huyghe compraram os direitos em 1999 por 46.000 ienes (cerca de US $ 400 na época) e passaram a transformá-la em uma espécie de código virtual de código aberto que eles compartilharam com outros artistas. (Nos ensaios para a instalação do Armory, sua voz cansada do mundo da Geração X podia ser ouvida nas telas do computador, entoando: Eu sou um produto. Um produto liberado do mercado que eu deveria preencher.)

O projeto Armory também reproduz as colaborações de Parreno com o diretor de fotografia Darius Khondji, designer de produção Randall Peacock , o designer de som Nicolas Becker, o companheiro artista Tino Sehgal e o pianista Mikhail Rudy, que interpretarão Ligeti, Feldman, Ravel e Scriabin, entre outros, durante a instalação.

Em um dia cinzento de janeiro passado, Rudy estava presente no Armory, em um piano de cauda Steinway preto reluzente, para a filmagem de uma nova obra especificamente para esta instalação chamada The Crowd, para a qual Parreno recrutou cerca de 100 figurantes . Enquanto a câmera rodava, ele coreografou-os moendo e migrando como almas purgatoriais ao redor do chão da sala de perfuração, que ele fez crepuscular com persianas e uma máquina de fumaça.

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Crédito...Philippe Parreno, via Pilar Corrias, Londres

Quando o filme é exibido durante a instalação, parece aos espectadores como se estivessem assistindo a uma versão filmada de sua própria presença no espaço Armory - um filme feito no passado que retrata um futuro que é seu presente. A diferença é que os espectadores, ao contrário de muitos dos extras do filme, não serão hipnotizados, um toque que Parreno incluiu em um aparente aceno ao título difícil de soletrar da exposição - é pronunciado hipnose - e ao geral espírito mesmérico do show. (Quando perguntei a um assistente do Galeria Gladstone se ela poderia dizer qual dos extras tinha sido hipnotizado, ela disse não, mas acrescentou, eu percebi que alguns deles pareciam ser particularmente bem comportados.)

Parreno às vezes foi criticado por ser muito teórico e teatral. Mas Nancy Spector, a vice-diretora e curadora-chefe do Museu Guggenheim, que apresentou o trabalho de Parreno em uma exposição em 2008, qualquer espaço, disse que no nível mais básico ele era um contador de histórias, aquele cujas narrativas são pura potencialidade, sem resolução.

É uma resistência a qualquer tipo de codificação ou encerramento de narrativa, ela disse, e uma resistência a - como posso dizer isso de maneira gentil? - um mundo da arte que quer soluções rápidas. No entanto, ele realiza o que deseja com esta forma incrivelmente bela e sedutora.

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Crédito...Philippe Parreno

Parreno às vezes descreve o efeito como a realização de um filme que está sempre em pós-produção, e uma manhã na semana passada esse filme estava começando a se formar. Dentro do Arsenal, 26 de suas marquises espectrais foram suspensas nas vigas em duas fileiras, evocando uma rua ladeada por teatro. No final desta rua havia um conjunto de arquibancadas em uma plataforma circular que gira lentamente, permitindo que os espectadores próximos vejam tudo o que acontece ao seu redor, ao mesmo tempo que os transforma em algo a ser visto.

É parte da gramática que recebemos no século 20 - a tenda, os assentos, a sala de exposições, disse Parreno, que havia chegado de Paris na noite anterior e, com o café na mão, passeava pela sala de exercícios do conclave para conclave urgente como Marcello Mastroianni em 8 1/2, sem o chapéu e o megafone. Todas as partes móveis da exposição - os filmes, a música, as telas em movimento, a luz pulsante das marquises, uma performance ao vivo concebida pelo Sr. Sehgal - trabalharão juntas em sequências que mudarão ao longo da instalação, de modo que parecerão nunca se estabelecer em qualquer tipo de padrão reconhecível. Estamos tentando construir a ideia de um ciclo que não se repete, disse ele.

O sentimento geral das obras que ele estava orquestrando - The Crowd, a instalação Marilyn e uma obra de 2009 que evoca o trem funeral que carregou o corpo de Robert F. Kennedy de Nova York para Washington - foi abertamente assombrado pela morte. O Sr. Parreno evita a maioria das questões pessoais com um tipo particular de impaciência francesa, e ele desvia questões sobre impulsos biográficos em seu trabalho quase tão bem. Mas ele foi a um computador e mostrou dezenas de exemplos de desenhos sombrios do tipo Goya que ele fez e deu como presentes durante sua batalha contra o câncer - de vaga-lumes, que o fascinam por causa de sua habilidade sobrenatural de se comunicar com a luz e porque a poluição luminosa humana tem afetado suas populações frágeis.

Ele estava pensando em incorporar uma animação de vaga-lumes na exibição Armory, disse ele, mas ainda não tinha certeza se o faria. Ou pelo menos não vou dizer ainda se vou, disse ele astutamente, acrescentando: Uma exposição precisa de um pouco de liturgia e também de um pouco de chance.