Crítica: Arte para o Bem do Planeta na Bienal de Veneza

56ª Bienal de Veneza: piscina de água tingida de rosa de Pamela Rosenkranz no Pavilhão Suíço.

VENEZA - O mundo é uma massa de males intratáveis ​​sobre os quais a arte deve iluminar. Com o aumento dos oceanos, o aquecimento do clima, o aumento da diferença de renda e a ocorrência de abusos dos direitos humanos de todos os tipos imagináveis, o próprio futuro do planeta - seus muitos futuros - está em jogo. Este não é o momento para a arte como um objeto de contemplação ou deleite, muito menos uma mercadoria de mercado - certamente não em uma exposição pública cuja principal responsabilidade é estimular o debate.

Essa é basicamente a mensagem provocativa, mas também restritiva, por trás de All the World Futures, a exposição central desequilibrada da 56ª Bienal de Veneza, que vai até 22 de novembro. Organizada por Okwui Enwezor, um veterano curador de empreendimentos internacionais como este, All the World Futures traz à tona uma preocupação central do momento, ou seja, a crença de que a arte não está fazendo seu trabalho a menos que tenha preocupações sociais claras e claras, uma posição cuja popularidade tornou a prática social a última coisa a ser ensinada nas escolas de arte. .

Em sua obstinação, All the World’s Futures ecoa seu antecessor de 2013, O Palácio Enciclopédico de Massimiliano Gioni, mas na direção oposta. Mais edificante, o esforço de Gioni abriu a história da arte modernista para todos os tipos de artistas autodidatas e estranhos, expandindo suas origens para expressões urgentes de todo o mundo, um pouco às custas da arte contemporânea. O Sr. Enwezor está menos interessado na urgência artística do que no estado de urgência do próprio mundo.



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Crédito...Casey Kelbaugh para o The New York Times

Mas, como o programa de Gioni, o esforço de Enwezor está mudando o centro de gravidade do Ocidente e do mercado de arte. Prova mais uma vez que a arte - ou algo parecido - está em toda parte, difundida além da imaginação.

Independentemente de você concordar com seu ponto de vista ou preferir considerar a arte caso a caso, esta posição fornece ao show do Sr. Enwezor clareza e propósito. Há algo admirável e até heróico em sua abordagem baseada na moralidade. Além disso, inclui uma boa quantidade de arte boa, até mesmo ótima, junto com muitas coisas que são apenas bem-intencionadas. Se não for perfeito, ele transmite uma mensagem redentora, incluindo artistas cujo trabalho não é abertamente político.

Todo o projeto gira em torno de Das Kapital, a crítica de Karl Marx sobre os efeitos da Revolução Industrial e sua dependência da exploração dos trabalhadores. Leituras diárias são apresentadas na arena projetada por David adjaye no Pavilhão Central do Giardini, o parque público que contém os pavilhões nacionais repletos de arte. Trabalho e trabalho de todos os tipos é um tema recorrente, quer assistamos a uma lápide de concreto fundido sendo feita no excelente vídeo Ashes de Steve McQueen; entre no estranho mundo da videoinstalação de Mika Rottenberg NoNoseKnows, uma meditação mordaz sobre os rituais da produção de pérolas cultivadas e espirros utilitários, ou passe rapidamente por um grande banner por Trabalho do Golfo , um coletivo de direitos humanos organizado para proteger os trabalhadores migrantes nos Emirados Árabes Unidos. (Não tenho certeza se o banner é arte ou mesmo quase-arte, mas espero que o trabalho do Gulf Labor seja bem-sucedido.)

O colonialismo, talvez a instância mais extrema de exploração do trabalho, é um subtexto visível, assim como a intenção do programa de refletir mais completamente do que o normal a diversidade da população mundial. Está cheio de mulheres e de artistas de fora do Ocidente, com destaque para a África, Ásia e Oriente Médio.

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Crédito...Casey Kelbaugh para o The New York Times

Às vezes parece que o Sr. Enwezor incluiu tudo o que lhe interessa, sem pensar no que o espectador pode realmente absorver. Sua mostra apresenta trabalhos em quase todos os meios concebíveis - incluindo música, arte performática e longos filmes e vídeos - por cerca de 140 artistas de 53 países e várias gerações. Seus esforços se concentram nos Giardini e na sequência aparentemente interminável de galerias que ocupam grande parte do Arsenale medieval, o antigo pátio da marinha de Veneza, a uma curta distância.

Assim como em sua exibição Documenta XI de 2002, a propensão de Enwezor para trabalhos baseados em câmeras que beiram o documentário é aparente, evidenciada aqui pelo trabalho de McQueen e também por Exquisite Cacophony de Sonia Boyce, que registra as improvisações brilhantes de três artistas vocais que misturam o expressões idiomáticas de rap, jazz scat, ruído dadaísta e gospel, e Fara Fara, um documentário em tela dividida de Carsten Höller e Mans Mansson sobre a vibrante cena musical de Kinshasa, capital da República Democrática do Congo.

E especialmente impressionantes são os novos híbridos de documentário, ativismo e poder artístico expressivo como vistos nos filmes desorientadores de Rosa Barba e Raha Raissnia e na instalação multimídia de Lili Reynaud Dewar , um brilhante artista e dançarino francês que aborda questões de orientação sexual enquanto prestava homenagem a Josephine Baker. Os precedentes para este tipo de trabalho incluem as instalações de palavra e música do artista-compositor americano Charles Gaines.

A mostra é fortalecida pela arte cujo impacto político reside principalmente no exemplo dos próprios realizadores. Entre os pontos altos da exposição estão as pequenas e exuberantes paisagens, embora essencialmente pós-impressionistas, das décadas de 1950 a 1980 do pintor egípcio Inji Efflatoun (1924-1989), uma pioneira feminista que foi presa por ser comunista. O ponto principal é que a identidade de quem faz a arte é terrivelmente importante. Chris Ofili, Emily Kame Kngwarreye (1910-1986) e Kerry James Marshall são todos representados por pinturas maravilhosas, até mesmo abstratas, cujo impulso político é menos do que óbvio.

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Crédito...Casey Kelbaugh para o The New York Times

Os talentos de Enwezor como mestre em apresentações teatrais são frequentemente evidentes. A fachada do Pavilhão Central foi decorada com enormes panos pretos e azuis semelhantes a uma mortalha do artista Oscar Murillo, enquanto logo acima está uma peça de néon pálido de Glenn Ligon que anuncia blues, sangue, hematomas. Uma vez lá dentro, a primeira peça de destaque é uma grande parede de velhas malas e baús do artista italiano Fabio Mauri (1926-2009), um símbolo óbvio dos refugiados e também do Holocausto, de 1993.

As coisas são ainda mais óbvias no início do Arsenale. Cinco peças de néon de Bruce Nauman, brilhando com palavras como comer, morte, dor e prazer, lançaram sua luz sinistra sobre uma instalação de Adel Abdessemed: cachos de facões cravados no chão, sugerindo arbustos, explosões e armas estocadas.

Um dos melhores momentos é um ataque de escultura por três artistas feitos de objetos encontrados: as combinações de instrumentos musicais de Terry Adkins brilham e as pequenas esculturas de parede de aço soldado de Melvin Edwards, feitas de pedaços de corrente e ferramentas, dominam, levantando o problema história de violência racial apesar de sua beleza. A violência se torna mais evidente nos desenhos obsessivos de máquinas de matar imaginárias extravagantemente viciosas do artista autodidata Abu Bakarr Mansaray.

Os conjuntos de motosserras de Monica Bonvicini cobertos com poliuretano semelhante a alcatrão preto e pendurados no teto também usam objetos encontrados, para alcançar uma obviedade kitsch. O Sr. Edwards ensina à Sra. Bonvicini uma lição útil de estética: o assunto deve ser fortalecido pela forma. Não pode ser deixado literalmente girando ao vento.

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Crédito...Casey Kelbaugh para o The New York Times

Entre as recompensas nos confins do Arsenale está Canção dos Alemães de Emeka Ogboh (Deutschlandlied), que envolve o visitante com uma gravação de refugiados africanos cantando o hino nacional da Alemanha em suas línguas maternas, ressonando com a dor do fanatismo no passado e no presente.

A extravagância de Enwezor é um argumento embutido no equivalente curatorial de uma luta por comida. Ao contrário de outras bienais internacionais, a de Veneza é cercada pelo fogo cruzado aleatório da arte selecionada por cada país para os pavilhões nacionais, dos quais 89 estão dispostos nos Giardini, no Arsenale e em toda a própria Veneza.

Alguns pavilhões enfatizam a pureza formal, como a imensa e impressionante piscina de água tingida de rosa que Pamela Rosenkranz inseriu no Pavilhão Suíço - uma versão feminina e fluida do Quarto Terra de Walter De Maria. No Pavilhão Austríaco, Heimo Zobernig nivelou o chão e baixou o teto com planos pretos, acrescentou alguns bancos brancos e plantou uma série de novas árvores em seu pequeno pátio. Torna-se uma capela existencial rígida em que os pensamentos da loucura humana contrastam com a lógica da natureza.

Alguns artistas se superaram, como a performance / vídeo eminence gris, Joan Jonas , que encheu o pavilhão dos Estados Unidos com a misteriosa instalação They Come to Us Without a Word, tecendo uma tapeçaria inconstante de vídeos, objetos, música e histórias de fantasmas. Outros, como Sarah Lucas, uma das poucas grandes artistas de seu notório Y.B.A. A geração (jovem artista britânico) não estava à altura da ocasião, espalhando no Pavilhão Britânico uma escultura intermitentemente pervertida contra as deslumbrantes paredes amarelas de calêndula.

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Crédito...Casey Kelbaugh para o The New York Times

Outros sucumbiram a formas cansadas de festivais, exemplificadas pelas extensões de vidro quebrado de Camille Norment no Pavilhão Nórdico, que emolduram uma peça sonora mais interessante; e a apresentação sedutora de Chihaur Shiota de dois antigos barcos de pesca engolfados por uma nuvem de fios vermelhos entrecruzados com centenas de chaves antigas, no Pavilhão do Japão.

As exibições nacionais apresentaram trabalhos que teriam melhorado o show de Enwezor, notadamente a fascinante paródia de perversidade corporativa de Hito Steyerl, um filme impulsionado por uma sensação da dança da Internet e projetado em uma sala gradeada que lembra o filme Tron. Os visitantes se sentaram em espreguiçadeiras e móveis de jardim, uma cena que para mim evocou o convés do Titanic.

Na mostra coletiva Personne et les Autres no Pavilhão da Bélgica, construída durante o reinado do Rei Leopoldo II, o artista belga Vincent Meessen convidou uma lista de artistas da África e da Europa para expor com ele. Mas a reunião foi dominada por seu próprio documentário, One. Dois. Três. Ele expande a história da vanguarda europeia conhecida como Internacional Situacionista para incluir intelectuais congoleses, ao mesmo tempo em que reconta a escrita de uma canção de protesto que emerge de forma tentadora à medida que o filme avança.

O único artista que realmente engajou o mundo foi Christoph Büchel, representando a Islândia. Ele orquestrou a conversão de uma igreja católica romana desativada no bairro de Cannaregio, em Veneza, no que se tornou a única mesquita na parte histórica da cidade, destinada a servir os muitos muçulmanos que se deslocam diariamente a Veneza para trabalhar. O Sr. Büchel equipou o interior com um arranjo convincente de tapetes de oração, placas e Alcorões, e depois de semanas de negociações diretas com as autoridades municipais, ele foi autorizado a encenar a cerimônia de abertura, completa com um sermão de um imã. Mas assim que isso aconteceu, os rumores recomeçaram, com a cidade ameaçando proibir os serviços religiosos ali. Poderia funcionar apenas como arte, não para religião. Mesmo assim, o esforço teve sucesso em lançar uma luz dura sobre uma falha de tolerância e compreensão cívica.