Um passeio ao longo dos limites da fé e da carne

O mundo da arte contemporânea é um lugar esquecido. Ele pode ficar atento a apenas um número limitado de artistas, de modo que, à medida que nomes interessantes surgem, fenômenos anteriormente celebrados caem no buraco da memória. Eles não necessariamente desaparecem, no entanto. Muitos continuam a fazer arte interessante e a desfrutar de uma vida de realização silenciosa. Hyman Bloom (1913-2009) foi um desses, e uma exposição de pinturas de rabinos que fez tarde na vida, em Caixa branca galeria em Lower Manhattan, oferece surpreendentemente muito para refletir.

Nascido na Letônia, Bloom mudou-se com a família para Boston em 1920, onde viveu antes de se mudar para Nashua, NH, em 1983. Dorothy C. Miller, que era curadora do Museu de Arte Moderna, o descobriu e incluiu seu trabalho em Americanos 1942, uma das reuniões regulares de talentos do museu. Em 1949 foi incluído no Carnegie International e no ano seguinte na Bienal de Veneza. Sua retrospectiva de 1954 no Whitney Museum of American Art levou o crítico Thomas Hess a chamá-lo de um dos pintores mais destacados de sua geração. Mas, na década de 1960, ele era um homem esquecido fora de Boston, onde exibia regularmente e tinha um círculo dedicado de amigos, apoiadores e admiradores. Ele continuou a fazer suas pinturas expressionistas e místicas em meados dos anos 90.

Temas judaicos tradicionais preocuparam Bloom do início ao fim. Todas, exceto 2 das 20 pinturas em este show , que foi organizado pelo artista Jan Frank, retrata um rabino, sentado, barbudo e usando um capacete mais ou menos elaborado. Em cada um, o rabino embala uma Torá em um braço, as alças de pergaminho projetando-se de sua capa semelhante a um saco. As pinturas datam de meados da década de 1980 a 2008. As datas na maioria indicam que Bloom dedicou duas décadas ou mais para pintá-las e repintá-las. (Uma seleção de desenhos das últimas sete décadas é exibida em uma prateleira, sob um vidro.)



De uma tela para outra, o equilíbrio entre a pintura generosamente aplicada e a imagem humana muda para frente e para trás. Alguns são quase impenetravelmente turvos, enquanto, em outros, a escuridão é aliviada por cores latentes, às vezes incandescentes. Existem janelas, colunas, escadas, corrimões e outros elementos da arquitetura da sinagoga. Linhas oscilantes de carvão ou giz permanecem nas pinturas que estão claramente inacabadas.

Imagem O terceiro de uma série de rabinos com Torá de Hyman Bloom, em óleo e giz de cera preto das décadas de 1980-1990, na White Box.

Você tem a sensação de que Bloom, com Rembrandt olhando por cima do ombro, estava sempre adiando o encerramento - não porque ele fosse um perfeccionista, mas porque ele tinha alguma noção metafísica sobre uma resolução final que poderia ser abordada, mas nunca alcançada neste mundo material.

É um pouco chocante encontrar os rabinos de Bloom em uma exposição em Lower Manhattan, onde a maioria das galerias acompanha as últimas tendências. Expressões sinceras de fé tradicional são raras ou inexistentes na arte contemporânea. Muito mais comum é uma variedade de imagens anti-religiosas, de As gritantes pinturas do Papa de Francis Bacon ao inflamatório de Andre Serrano Piss Christ.

Mas, vistas de uma certa maneira, as pinturas de Bloom não são tão irrelevantes para o discurso da arte contemporânea quanto podem parecer. Impulsionado pelo assunto judaico, uma linha sinuosa de pensamento levando a essa perspectiva pode começar com a injunção bíblica contra as imagens esculpidas. Em Êxodo, Deus instrui os israelitas: Você não deve fazer para si uma imagem esculpida, ou qualquer semelhança de qualquer coisa que esteja no céu em cima, ou na terra embaixo, ou nas águas embaixo da terra. Você não deve se curvar a eles ou servi-los, pois eu, o Senhor seu Deus, sou um Deus zeloso.

Mas, é claro, as pessoas começam a perder a fé quando Moisés, seu líder, está se comunicando com Deus. Em sua ansiedade, eles adoram um bezerro de ouro esculpido pelo irmão de Moisés, Arão, e dançam ao redor dele com abandono decadente, para o desgosto de Moisés quando ele retorna.

O que está em questão nesta história, e o que a torna relevante para o mundo da arte de hoje, é a supervalorização do objeto material, em detrimento da missão espiritual da arte. A tremenda expansão do mercado de arte ao longo do último meio século foi naturalmente acompanhada por incontáveis ​​críticos do tipo Moisés, denunciando seus espetáculos de consumo conspícuo e pedindo correções morais e políticas. Conceptualistas de Duchamp a Marina Abramovic avançaram na desmaterialização da arte no interesse da elevação mental. No entanto, a maioria dos artistas dos tempos modernos e pós-modernos, incluindo Bloom, procurou reconciliar o materialismo vulgar e o idealismo nobre.

Os observadores viram o rabino de Bloom como um autorretrato, mas seria mais preciso ver essa figura como o alter ego do artista, seu frère espiritual. Enquanto Bloom, o pintor, criava obras de sensualidade sedutora, seu eu rabínico remetia a uma dimensão transcendental que nenhuma imagem visual ou objeto físico poderia conter (embora pudesse ser invocado pelo conteúdo verbal da Torá). Talvez seja por isso que ele passou tanto tempo trabalhando nessas pinturas e deixou tantas delas inacabadas. Não que ele fosse torturado pela irreconciliabilidade de seus eus gêmeos. Segundo muitos relatos, ele era um velho feliz. Talvez ele gostasse do balanço rítmico entre corpo e alma e simplesmente não quisesse que acabasse.