Quando o mundo se tornou pop
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Diapositivo 1 de 13 /13 Still Life # 35 de Tom Wesselmann, no centro, é uma das obras da exposição International Pop no Walker Art Center em Minneapolis.
Crédito...Todos os direitos reservados. Propriedade de Tom Wesselmann / Licenciado por VAGA, Nova York; Jenn Ackerman para o New York Times
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Slide 13 de 13 MINNEAPOLIS - Para os amantes da arte, e certamente para os colecionadores que agora pagam dezenas de milhões de dólares por pintura em leilão, a arte pop e suas imagens de marca registrada - Marilyns, Ben-Day dots, garrafas de Coca-Cola, lábios com batom - se tornaram um classicismo do século 20 , tão canônico quanto o cubismo e tão atraente quanto doces.
Mas para muitos artistas que trabalharam fora dos Estados Unidos durante o nascimento de Pop no início dos anos 1960, o movimento se apresentou com todo o charme de um rolo compressor. Naqueles anos, disse Thomas Bayrle, um pintor alemão que estava fazendo o retrato de Mao anos antes de Andy Warhol, era como uma partida de futebol em que um lado estava sempre ganhando e o outro não conseguia nem mesmo marcar um único gol.
A história da arte moveu-se com velocidade sem precedentes na definição do pop - o grande curador Henry Geldzahler disse que rebocou história da arte instantânea em seu rastro - e a narrativa que se desenrolou em museus e livros foi predominantemente americana, com um adjunto britânico pioneiro. Mas, meio século após o início da existência do movimento, seu mapa está sendo redesenhado com força total. Uma exposição que abre aqui no Walker Art Center no sábado, Pop internacional, uma das exposições históricas mais ambiciosas do museu em anos, afirma não apenas que o Pop estava surgindo em incontáveis versões caseiras ao redor do mundo, mas também que o próprio termo se tornou muito estreito para abranger a revolução no pensamento que representou para uma geração de artistas .
Em setembro, a Tate Modern em Londres vai entrar em grande parte do mesmo território subexplorado com O mundo vira pop. Juntas, as exposições devem trazer a reputação de dezenas de artistas esquecidos - do Japão, América do Sul, Europa Oriental e até mesmo do Oriente Médio - para um novo tipo de holofote, ao mesmo tempo que mostram que muitos artistas conhecidos que atingiram a maioridade no início dos anos 1960, eram mais Poppier do que poderiam ter pensado ou parecido.
Não se trata de um estilo, não se trata da América, e não se trata das afirmações de onde o Pop começou, que não são mais tão interessantes, disse Darsie Alexander, que começou a trabalhar há mais de cinco anos na exposição Walker, que ela organizou com Bartholomew Ryan e a ajuda de acadêmicos internacionais. Quando você olha para trás, para as coisas que estavam sendo escritas no final dos anos 1950 e início dos 1960, todos sabiam que algo incrivelmente novo estava acontecendo na sociedade com a cultura de massa e as imagens, e todos estavam tentando encontrar uma maneira de descrever isso.
A desconexão entre as reputações dos pilares da pop americana e até mesmo muitos dos artistas não americanos de sucesso crítico que trabalham na mesma linha foi enfatizada nos últimos anos pela consagração do mercado de um punhado de artistas como Warhol (um recorde de leilão de $ 105,4 milhões em 2013) e Roy Lichtenstein (um recorde de US $ 56,1 milhões no mesmo ano).
Para o Walker, isso criou uma situação logística curiosa. Algumas obras de artistas americanos eram tão valiosas que carregavam enormes encargos de seguro, enquanto obras de países como Brasil, Argentina, Hungria e Japão tiveram que ser escavadas, como disse a Sra. Alexander, de depósitos ou coleções dos próprios artistas, onde eles estavam , pouco visto, há décadas.
E essa escavação em si, em nome do Pop, nem sempre foi uma distinção: para alguns artistas da década de 1960, Pop era um palavrão, visto como um instrumento do poder americano ou um estilo politicamente desdentado que acabou celebrando os excessos capitalistas enquanto fingindo criticá-lo.
Sempre protesto quando sou acusado de ser pop - não é minha festa, disse Antonio Dias, um artista brasileiro cujo marcante amálgama escultura-pintura na mostra, O Meu Retrato, parece uma escultura de Claes Oldenburg sobre alucinógenos e foi feito em 1966, dois anos de ditadura militar brasileira que marcou profundamente sua obra. Quando vi o pop americano pela primeira vez, o Sr. Dias disse em uma entrevista recente, eu disse ‘OK, é bom, mas não diz nada dentro dele. Suas imagens são como quaisquer outras imagens. '
Ele concordou em estar no show de Walker, disse ele, principalmente por causa de sua ambição de reexaminar o que ele considera um momento crucial, quando a maneira como você pode usar as imagens começou a vir de totalmente fora do mundo das belas-artes. (O Sr. Geldzahler, em um simpósio duque-it-out sobre Pop com outros críticos no Museu de Arte Moderna em 1962, disse que o movimento nasceu de uma imagem tão difusa, persistente e compulsiva que precisava ser notada.)
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Crédito...Todd Heisler / The New York Times
Obras que se parecem com o pop - e outras que hoje se parecem um pouco com o pop, mas que nasceram dos mesmos impulsos de se afastar da abstração e mergulhar de cabeça na cultura de massa - assumiram formas totalmente diferentes em lugares diferentes. A colagem sem título da artista britânica Pauline Boty de 1960-61 na mostra, com sua pintura dourada e lantejoulas em meio a fotos recortadas de jornais, parece desafiadoramente feito à mão, como um ex-voto, sem astúcia pop americana nem a ousadia dos americanos mais toscos como Robert Rauschenberg. Uma pintura de 1964, Foodscape, do artista islandês Erró, é uma confusão multicolorida da Bosch de embalagens de alimentos processados que parecem estar se reunindo para a guerra contra as latas de sopa de Warhol.
Sr. Bayrle, 77, que era pouco conhecido fora da Alemanha até recentemente, mas cuja trabalhos agora é cada vez mais procurado, estava fazendo arte no início dos anos 1960 em Frankfurt e nos arredores, profundamente fascinado pelas formas como o comunismo e o capitalismo americano se pareciam de seu ponto de vista. Eu vi o absurdo no Oriente, onde havia massas de pessoas celebrando em uma marcha, e no Ocidente, onde havia estacionamentos enormes, shoppings enormes, montes de lixo enormes, disse ele em uma recente entrevista por telefone. Eu não estava pensando nisso ideologicamente. Era sobre a atração visual para mim, da mesmice.
No Japão, onde a ocupação americana durou até 1952, Ushio Shinohara estava engajado em uma prática que poderia ter sido chamada de punk se o conceito existisse naquela época. Ele estava vasculhando revistas e jornais em busca de exemplos da arte americana e criando apropriações em série a partir das imagens em preto e branco granuladas e de contexto pobre que encontrou, dizendo a seus colegas artistas: O primeiro a imitar vencerá.
Uma das obras da mostra, Drink More, um empréstimo das pinturas das bandeiras de Jasper Johns, é uma tela com estrelas e listras neon laranja e verdes atrás de uma mão de gesso bruto oferecendo uma garrafa de Coca-Cola, com a insistente exortação do título pintada em torno dela. (O título original era insistente de uma forma ainda mais irônica: Lovely, lovely America.) O Sr. Johns visitou o estúdio do Sr. Shinohara no início dos anos 1960 e pegou de volta uma dessas obras, que ele ainda possui e emprestou para o Walker, completo com refrigerante de meio século dentro da garrafa. A visita de Rauschenberg ao estúdio do Sr. Shinohara no final do mesmo ano foi um pouco diferente; ele descobriu, para sua consternação, que o Sr. Shinohara havia feito numerosas cópias de uma de suas obras de 1958, Plano Coca-Cola, que à primeira vista era difícil de distinguir do original.
Outro dia, no estúdio do Sr. Shinohara no bairro de Dumbo, no Brooklyn, onde ele trabalha há mais de duas décadas, ele disse: Minha mãe, que era uma pintora respeitada no Japão, viu o que eu estava fazendo com eles e contou para mim, 'Que vergonha, Ushio.' Mas eu realmente não me importei. Eu adorava tanto fazer objetos como esses que queria continuar a fazê-los.
Alexander, a curadora, passou anos rastreando complexas correntes cruzadas internacionais como essas que começaram a ocorrer com maior frequência na década de 1960, fomentadas por viagens a jato, televisão e a proliferação de revistas de imagem. As conexões - diretas ou distantes, vagas, às vezes quase surrealmente indiretas - levaram a germinações do Pop que só agora estão começando a ser exploradas.
O Sr. Johns, por exemplo, depois de trazer a imitação do Sr. Shinohara para Nova York, pegou emprestado para criar uma pintura de 1965 com uma bandeira verde e laranja brilhante que ele pretendia ser um experimento óptico. O Sr. Shinohara havia sido instigado a iniciar suas imitações, por sua vez, por um artigo do crítico japonês Yoshiaki Tono, que havia viajado no início dos anos 1960 para Paris e Nova York, onde viu uma exposição inovadora na galeria do marchand Sidney Janis em 1962. Chamado de Novos Realistas, ele anunciou o Pop (e tanto enfureceu alguns membros da geração expressionista abstrata - Robert Motherwell, Mark Rothko, Philip Guston e Adolph Gottlieb - que eles deixaram a galeria). Em Nova York, o Sr. Tono fez amizade com o curador e crítico de Paris Pierre Restany, um campeão dos pioneiros do pop francês como Martial Raysse, mas também de colegas sul-americanos como Marta Minujín, cuja visão argentina do pop, incluída no programa Walker, rapidamente se transformou em conceitualismo altamente politizado que influenciou o trabalho de artistas americanos.
Eu era incrivelmente nerd sobre como eu seguia tópicos, disse a Sra. Alexander, ex-curadora-chefe do Walker e agora diretora do Katonah Museum of Art em Westchester County, NY. Eu fui e encontrei tantas listas de verificação iniciais para o mesmo número de Pop iniciais programas como pude encontrar, e quando você olha para eles, não é o mundo puro e categorizado que passamos a considerar como o mundo pop. Tudo fica muito mais borrado e muito mais interessante.
Muitos dos que caíram fora da história no processo de arrumação eram mulheres, incluindo americanos como Marjorie Strider - que morreu no ano passado e cujo Triptych II, Beach Girl, de 1963, está na exposição - e Rosalyn Drexler, cujo quadro de cinema austero Desculpe por isso, criada em 1966 e adquirida pela Walker nesse mesmo ano, também está na mostra. A Sra. Drexler, agora com 88 anos, disse que estava animada por receber nova atenção, mas que estava chegando um pouco tarde.
É muito deprimente para mim tanto um movimento estar escondido dessa forma, ela disse, acrescentando: Eu sempre fui aceita nos círculos de artistas pop masculinos naquela época, mas nunca ocorreu a eles que eu era o único no círculo que não está sendo pago. Questionada se ela tinha muitos de seus trabalhos em sua própria coleção, ela riu: você poderia chamá-la de minha própria coleção. Você também pode chamá-lo de quarto.
Alexander disse que ainda havia muitas dessas salas ao redor do mundo, ainda cheias de trabalho - e histórias - que os Walker mostram apenas amostras. Sua esperança é que programas como os dela e os da Tate precipitem investigações mais profundas nessas histórias e novas reflexões sobre o movimento de arte mais reconhecível dos últimos 50 anos, mesmo correndo o risco de tornar o movimento e seus artistas menos reconhecíveis. Se o que eles estão fazendo é Pop, e vamos fingir que é, ela e o Sr. Ryan escrevem, então é um Pop amplo, que deve permanecer uma definição mutante, não moldada e não resolvida.